西方音乐史
西方音乐发展的各个时期：……
第一章、古希腊与古罗马音乐（约公元前12世纪——公元5世纪）
第一节、古希腊音乐
一、古希腊的音乐发展状况
1、音乐与神的崇拜
2、诗歌的繁荣
（1）史诗:荷马的史诗《伊利亚特》和《奥德赛》
（2）抒情诗歌的繁荣
较早的抒情诗作者萨福、阿西乌斯、泰潘德。
3、古希腊的戏剧
（1）特点：希腊的“悲剧” 集音乐、诗歌、舞蹈、表演于一体，是一种综合性艺术；音乐（尤其是声乐）在其中占有重要的地位，许多独白或对白都是用歌唱来表达，歌唱的同时也有器乐简单伴奏；合唱是载歌载舞的；舞蹈动作简单。
（2）古希腊三大悲剧作家：埃斯库罗斯、索福克勒斯、欧里匹得斯
n二、古希腊的乐器
希腊的乐器主要有弦乐和管乐两类，弦乐的代表是里拉琴,管乐的代表是阿夫洛斯管。
n三、古希腊的音乐理论
1、音阶和调式理论
在当时的古希腊，音阶的构成以四音音列为基础。
四音音列可以根据全音和半音的不同位置，排列成7种不同的音阶，它们分别是多里亚、弗里几亚、利第亚及其各种变体，是以古希腊的几个重要氏族部落的名称为其命名的，排列方式自上而下。
2、音乐社会功能的学说
古希腊哲学家柏拉图、亚利士多德等人认为，音乐是净化心灵、教化品性的重要手段，重视音乐在社会教育体系中的作用。
n四、总结古希腊音乐的特点：
织体：单声部音乐，即使有合唱、伴奏，也是以同音或八度伴和。
旋律和节奏：自由，与诗歌的韵律、节奏一致。
调式：古希腊调式，排列自上而下，以希腊部落民族定名。
记谱法：用希腊字母或类似字母的符号记谱。
第二节、古罗马音乐
n一、古罗马的音乐特点
1、基本沿袭希腊音乐，但由于罗马人崇尚武艺，因此铜管乐器相当发达。演出规模极度扩展，最多时达几百件乐器。
图 拉 真 凯 旋 门/君士坦丁凯旋门
2、古罗马人的音乐观念和希腊很不相同：在古希腊，人人都参与音乐活动，认为音乐是健全人格、有着高尚修养的表现；古罗马却仅仅把音乐看作一种纯粹的娱乐，失去了希腊艺术的高尚与纯真。
n二、基督教音乐兴起
n基督教于公元1-2世纪在罗马帝国产生、流传。
n公元313年，罗马皇帝定基督教为国教。
n基督教发展出一种新的音乐观：排斥任何世俗、娱乐性的音乐，音乐集中于教堂和修道院，成为精神拯救的工具；基督教会提倡纯声乐，竭力反对使用乐器伴奏；在圣咏的演唱方式方面，由男女老少都可咏唱改由经过训练的唱诗班咏唱。
n公元476年，古罗马灭亡。基督教成为即将到来的中世纪从古代继承下来的唯一的文化遗产,从此主宰着中世纪的大部分时期。
第二章、中世纪音乐（约公元450——1450 年 ）
圣 马 可 大 教 堂( 意 大 利 )/圣 玛 德 林 教 堂（ 法 国 ）/圣 安 布 罗 乔 教 堂（ 意大利 ）/巴 黎 圣 母 院
第一节、格里高利圣咏
¨一、格里高利圣咏的形成
——公元6世纪末，格里高利一世派各地僧侣收集整理各地的圣咏，经过修订、补充，选编成两本唱经歌集，并订立了许多演唱的规则，命令各地教会广泛采用，从而统一了罗马教会仪式和所用音乐。统一后的圣咏以格里高利一世命名，称为“格里高利圣咏”，也因表情肃穆、风格朴素而称之为“素歌”。
¨二、格里高利圣咏的基本特征：
情绪：情绪肃穆、超脱，采用无伴奏的纯人声（男声），排斥人世激情。
旋律：音调平缓，以级进和三度进行为主，和语言的抑扬顿挫有着密切的关系。
节奏：自由而无固定节拍，依照歌词韵律的长短抑扬而定。
织体：和古希腊音乐一样，也是单声部音乐。
歌词：以拉丁文为歌词，歌词主要来自圣经和诗篇。
演唱方式：大致有独唱、齐唱、交替歌唱、应答歌唱四种。
调式体系：教会调式。
¨三、格里高利圣咏在礼拜仪式中的运用
罗马教会的礼拜仪式分为日课和弥撒两大类。
弥撒仪式中的条目分为专用弥撒和常规弥撒。其中常规弥撒分慈悲经、荣耀经、信经、圣哉经、羔羊经五个部分。
¨四、格里高利圣咏的扩展
（1）附加段——是在原有的格里高利圣咏的基础上进行附加或插入的材料，可以在原圣咏前附加或在圣咏中间插入新内容，目的是对圣咏的内容进行说明、解释。
（2）继叙咏——是附加段的一种表现形式，用于弥撒仪式中。它在弥撒礼拜中紧接在“哈利路亚”之后，开始是在“哈利路亚”的花唱旋律上附加歌词，最后脱离哈利路亚成为一种独立的形式，因此也称为“哈利路亚附加段”。
（3）宗教剧——是以圣经故事为内容的戏剧表演形式，由对话体附加段演变而来，其表演过程始终有音乐伴随。后来这种形式发展成为神秘剧（mysteryplay）。
第二节、多声部复调音乐的产生与发展
一、奥尔加农（organum）
—— 西方最早的复调音乐是产生在公元9世纪，是以格里高利圣咏为固定调，在它的上方或下方加上一个平行四度或五度的声部，从而构成简单的二声部音乐，这种最早的复调音乐叫奥尔加农，也叫平行奥尔加农。
1、平行奥尔加农的变体：
2、花唱奥尔加农：
——大约在12世纪左右，奥尔加农声部由原来的下声部转向上声部，音符增多，越来越具有流动性和装饰性，与低声部格里高利圣咏构成了多音对一音的关系，低声部圣咏曲调的单个音被拉长，原有的旋律感被削弱。
二、迪斯康特（discant）
12或13世纪初兴起的一种复调形式，定旋律声部和对位声部以反向进行为主，是一音对一音演唱的风格，乐曲整体上显示出分句的结构特征，与奥尔加农即兴式的松散结构有很大区别。
三、巴黎圣母院乐派——巴黎圣母院复调有两种特征：华丽装饰的花唱奥尔加农和节奏规整的迪斯康特，与以前所不同的是，圣母院复调常把两者结合使用，即在花唱奥尔加农之后接上迪斯康特，前后形成风格上的对比。
圣母院乐派的两位杰出的作曲家是莱奥南和佩罗坦。莱奥南以擅长写作花唱奥尔加农著称，这种复调体裁在他手中被发展到顶峰；佩罗坦的复调特色主要体现在迪斯康特。
四、康都克特（conductus）—— 12、13世纪教会流行的一种歌曲体裁，在多声部形式的康都克特中，定旋律声部是作曲家新创作的曲调而不是取自圣咏，采用迪斯康特风格，各个声部的节奏大致相同，歌词自由，内容涉及宗教或政治、历史、道德等世俗事物。
五、经文歌（motet）—— 13世纪兴起的一种重要的复调体裁，是圣咏与俗乐的有趣“结合”。缓慢的圣咏做“持续调”，用拉丁语唱着教义；在它的上方有两个快节奏的声部，用本国语以民歌的曲调唱着世俗化的歌词。到后来，圣咏的持续调干脆被乐器所代替。
第三节、教会音乐理论
一、记谱法
1、纽姆记谱法（neumatic notation）——在歌词上方标出一些与语言重音、抑扬相对应的符号，以简明扼要地指示上升或下降的语言声调变化。
2、意大利的僧侣规多在前人基础上总结出四线谱，发明了六声音阶唱名法及“规多手”的视唱教学法。
3、有量记谱法（mensural notation）—— 13世纪，记谱法的发展从对音高的关注扩展到对节奏的关注。包括三种重要的节奏符号：长拍（旗形）、短拍（方形）、次短拍（菱形），把节拍的三分法视为“完整拍划分”，即一个长拍等于3个短拍，一个短拍等于3个次短拍，“不完整拍划分”中拍与拍之间是二分比例关系。
二、教会调式：分为四个正调式和四个副调式8种形态，每两个一对，副调式音阶的音域比正调式低四度。沿用古希腊调式名称，排列顺序是自下而上。
第四节、中世纪的世俗音乐
一、流浪艺人
二、法国的游吟诗人
游吟诗人的歌曲以爱情题材为主，分以下几种类型：康佐（canzo）、晨歌(alba)、田园恋歌(pastorela) 、传奇(romance) 、叙事歌曲(chanson dhistoire) 、莱歌（lai）。
三、德国的恋诗歌手
兴起于12——14世纪，出身贵族，所唱的歌曲大都是爱情歌曲。音乐旋律稳重严肃，有时有明显的宗教色彩。
恋诗歌手的主要歌曲体裁是“巴体歌曲”（bar），结构是aab。
第五节：中世纪的乐器
中世纪的常用乐器有弦乐（拨弦、击弦、弓弦）和管乐两类。
1、弦乐：
a、拨弦乐器：竖琴(harp)、琉特琴（lute）、索尔特里琴（psaltery）
b、弓弦乐器：维埃尔琴（vielle）（现代提琴的原型）、轮擦提琴（hurdy-gurdy）
2、管乐：竖笛、横笛、肖姆管、短号等。
允许使用于教堂的乐器——管风琴，分大型和中小型类别。
第六节、从中世纪向文艺复兴时期过渡
——14世纪法国和意大利的音乐
一、14世纪法国的“新艺术”
人们习惯以“新艺术”来通称整个14世纪法国和意大利的音乐。“新艺术”之“新”是相对于被称为“古艺术”的13世纪的音乐而言的。
1、等节奏型经文歌（isorhythmic motet）
——将经文歌的定旋律声部分化出两个因素：克勒（color，不包括节奏因素只有音高的音型）和塔列亚（talea,短小的不包括音高的节奏型），两者可用不同方式相结合、运用。这种形式表明了纯音乐逻辑思维的进展。
2、法国“新艺术”的代表人物——马肖（G.Machaut ,1300-1377）的音乐创作
（1）宗教作品：
主要体现在经文歌方面，以法文作为歌词；在创作技巧上非常重视等节奏技术的运用；为经文歌附加了一个新的“对应持续声部”，以四声部取代了通常的三声部织体。
（2）世俗作品：
主要是世俗歌曲，最有影响的是世俗复调歌曲，根据自己的感情来创作。
二、14世纪的意大利音乐
1、14世纪意大利音乐的重要体裁
（１）猎歌（caccia）——是一种有标题的世俗多声部音乐，一般有两个声部，以卡农式的同度轮唱，歌曲性格活跃，常常与狩猎情景有关，也可以表现集市上的叫卖、喧闹。
（2）牧歌（madrigal）——多为二声部，偶尔有三声部，低声部是新创作的旋律，并非取自圣咏。所有的声部通常都有歌词，表现内容多是田园诗和爱情诗。
（3）巴拉塔（Ballata）——原指舞蹈伴唱歌曲，13世纪是单声世俗歌曲，14世纪是意大利的复调世俗歌曲，通常为二或三声部。
2、兰迪尼（Landini Francesco, 1335-1397）
兰迪尼流传至今的作品全部都是世俗音乐，他的音乐以甜美、抒情见长，著名的“兰迪尼终止式” （Landini Cadence）（指导音下行到第六音后再进入主音，即在终止音之前出现其低二度和三度音），是兰迪尼独特风格个性的体现。
中世纪音乐风格概述
旋律：以级进为主，是歌唱性(或吟诵性)的,和语言的抑扬顿挫有着密切的关系。
节奏：圣咏节奏是自由的，有时会重复某个模式。
调式：通常以8个教会调式为基础。较自由地使用不协和音。
音乐织体：单声织体非常重要。从公元九世纪开始有了2——4个声部的复调织体。
主要音乐体裁：圣咏；由成套的圣咏组成的弥撒曲；宗教的和世俗的经文歌；世俗歌曲(包括牧歌、猎歌、回旋歌等)，器乐舞曲。
第三章、文艺复兴时期的音乐（约公元1450——1600年）
•“文艺复兴”时期相比中世纪来说，在文化上是以一种新的时代精神打破教会的精神统治和思想上的禁锢，来创建新的文化，是长期以来为宗教神学思想所束缚的理性的觉醒和人性的复苏，是一次新的文化建设运动。
•在这场变革中，思想基础是和中世纪的宗教神学针锋相对的“人文主义”（人道主义），即提倡反封建、反教会，提倡人权、反对神权，提倡个性自由、反对宗教压制，赞美爱情、歌颂爱情，肯定现世的享受，驳斥死后的永生。
蒙娜.丽莎（意大利）达芬奇/最后的审判（意大利）米开朗基罗/西 斯 廷 教 堂 天 顶 画/ 西 斯 廷 圣 母
第一节、尼德兰乐派
•一、勃艮第乐派（Burgundian school）（也称第一尼德兰乐派）
主要体裁是尚松（chanson，是14-16世纪以法文诗歌谱写的复调世俗歌曲的概称。）、弥撒曲、经文歌。
音乐风格：音乐的主调因素加强，上方声部突出，以三度音程为主要旋律音程，多用大调性，风格优美细腻，音响悦耳协和。
•代表人物：
1、迪费（G. Dufay,1400-1474）：
a、尚松：歌词大部分是爱情诗，以突出上声部的三声部织体为主，一般上声部是独唱声部，下面是两个器乐声部，风格抒情、典雅。
b、经文歌：大部分是等节奏经文歌。一般采用三个声部，以高声部旋律为主导。
c、弥撒曲：逐渐成为一种独立的大型宗教体裁。迪费创作的弥撒曲多是定旋律弥撒曲，即在弥撒曲的五个乐章中采用一个相同的旋律（一首圣咏或世俗旋律）作为定旋律，以此作为统一音乐的“轴心”来把各乐章联系起来。
2、班舒瓦（Gilles Binchois，1400-1460）：
以尚松的创作最为突出，尚松的高声部为人声，旋律简洁、优美，下面两个声部是器乐声部。
•二、法——佛兰德乐派（Flemich school）（也称第二、第三尼德兰乐派）
代表人物：
1、奥克冈（Johannes Ockeghem，1425-1497）：
主要成就在弥撒曲方面，13首弥撒曲中有一半采用了定旋律弥撒曲的创作方法，与迪费不同的是，奥克冈有时把定旋律放在最低音部。
2、约斯堪（Josquin des Pres，1440-1521）：
创作包括弥撒曲、经文歌、世俗作品等，其中经文歌最为突出。他的经文歌中复调的各个声部都是平等的，多采用连续模仿的形式，具有很强的情感表现力。
他创造了“模拟弥撒曲”的手法，即写作弥撒时不只借用一首圣咏，而是借用几首现成的复调作品（如弥撒曲、经文歌、尚松等）为基础，引用其多个声部的材料或吸取其曲调、动机、结构等而创作的弥撒曲。
3、拉索（Orlando di Lasso,1532-1594）：
他的创作包括弥撒曲、牧歌、尚松、经文歌等。弥撒曲大多采用了模拟弥撒曲的写法；尚松通俗而轻快幽默，生动地描绘了日常生活场景。拉索创作了著名的世俗合唱曲《回声》。
经文歌是他的重要创作领域，以音乐生动地描绘歌词、表达强烈的感情为特点，旋律常作跳进，广泛使用变化音。
拉索的创作，标志着尼德兰乐派的高峰。
第二节、十六世纪的宗教音乐
一、德国宗教改革的音乐
16世纪的德国宗教改革运动始于德国，由马丁.路德发起。
马丁路德改革后的新教音乐的特点 （即什么“众赞歌”）：
1、新教音乐的核心体裁是众赞歌（即赞美诗，chorale），众赞歌不用拉丁语而是译成德语来演唱，曲调简单易唱。
2、选用流行的德国古老圣歌和民歌作为曲调。
3、吸取尼德兰乐派的复调艺术，使单声部的新教歌曲成为四部和声的圣咏合唱，旋律在高声部，接近后来的主调风格。
马丁. 路德最著名的一首新教圣咏《上帝是我们坚固的堡垒》，被恩格斯誉为“16世纪的马赛曲”。
二、罗马乐派，帕勒斯特里那（Palestrian,1525-1594）
他的创作主要集中于宗教音乐，以弥撒曲最为突出。
帕勒斯特里那的音乐特点：
1、是一种纯净、和谐、清晰的复调无伴奏合唱风格，音乐的感情节制、安详。
2、织体以四声部居多，主旋律突出。
3、各声部旋律平稳、流畅，以级进为主，很少大跳，很少用不协和音，即使用也会谨慎地解决。
4、采用自然音的调式音阶。
5、基本不用乐器伴奏，少量使用管风琴。
三、威尼斯乐派，从维拉尔特到叔侄加布里埃利
1、维拉尔特：成功培育出“分开的合唱队”即“复合唱”的风格，分开的合唱队可以交替演唱也可以一同合唱，形成具有空间立体感的音响效果。
2、叔侄加布里埃利（A.加布里埃利和他的侄子G.加布里埃利）：创作了复合唱经文歌，使原有的复合唱风格得到了充分的发展。采用二——五个合唱队，大量使用各种乐器，使教堂音乐的音响扩展到前所未有的宏伟程度。
第三节、世俗声乐音乐及民族风格的兴起
•一、意大利（意大利牧歌）
1、意大利牧歌的萌芽——弗罗托拉（frottola）：
—— 16世纪初意大利的世俗多声部歌曲，通常为四声部的主调风格织体（主旋律在高声部，下面三个声部作和声基础。），节奏生动鲜明，歌词多是爱情和讽刺的内容，后来有人将复调手法结合进去，使之成为牧歌前身。
2、意大利
牧歌（madrigal）—— 四——六个声部的无伴奏世俗重唱或合唱，常采用模仿式复调技法，歌词多为名诗人所作，音乐注重对歌词情绪的表达。
意大利牧歌的代表人物：
a、马林秋：偏爱以田园诗作为歌词进行谱曲。他的牧歌包括四——六个声部，突出最高声部，以描绘性的音乐手法来表现词意，音乐抒情优美。
b、杰苏阿尔多：在牧歌中大胆地表现自己的个性，常通过尖锐的和声对比、音区对比、突然的休止以及半音进行等来表现歌词的情感和内容。
c、蒙特维尔第：他的牧歌体现出主调与复调风格的自然结合，音乐忠实于歌词的表现，自由地运用不协和音。
•二、法国（法国尚松）
法国尚松（chanson）—— 四——六个声部的无伴奏世俗重唱或合唱，主旋律在最高声部，歌词大多描述日常生活的内容，通俗幽默，旋律简洁，节奏鲜明轻快。
•三、英国
康索尔特歌（consort）——康索尔特是文艺复兴时期英国的一种室内乐合奏体裁，康索尔特歌就是用这种室内乐合奏伴奏的独唱或合唱歌曲，歌词常为格律诗歌。
•四、德国
利德（Lied）——德国的世俗歌曲，常为单声部，多由德国市民音乐家———“名歌手”演唱。16世纪的作曲家把弗兰德乐派的复调手法和德国利德相结合，创造出了复调形式的利德。
•五、西班牙
维良西科（Villancico）——也译作村夫谣，三或四个声部，是带叠歌的分节歌形式，歌词涉及爱情、政治甚至宗教等，有器乐伴奏，音乐具有纯朴的民歌风格。
第四节、16世纪的乐器和器乐
•一、乐器
管乐器：竖笛（recorder）、肖姆管（shawn，双簧乐器）、横笛（transverseflute）、小号（trumpet）、萨克布号（sackbut，近代长号的前身）等。
弦乐器：维奥尔琴（viol）已接近现代的提琴，并且从小到大形成了维奥尔琴家族。硫特琴（lute）：16世纪进入黄金时期，技法丰富，可用来独奏、重奏或为声乐伴奏。
管风琴：管风琴有了很大发展，音色也有了改进，有了独立的踏板键盘，在教堂广泛使用。
古钢琴分两种不同类型：羽管键琴（拨弦古钢琴，harpsicord）、楔槌键琴（击弦古钢琴，clavicord），都是键盘乐器。
•二、器乐
从16世纪起，西方音乐中的器乐开始逐渐摆脱对声乐的束缚，走上独立发展的道路。
1、与声乐有关的器乐曲。
以意大利的康佐纳（canzona）最为典型。它在16世纪前期是一种独立的复调世俗歌曲，与法国的尚松很接近，到16世纪后半叶，康佐纳成为复调性的器乐音乐。
2、舞蹈音乐是器乐音乐的重要来源。
当时流行的舞曲有：
帕凡pavane，意大利舞曲，慢速，二拍子。
库朗特courante，法国舞曲，快速，三拍子。
阿勒芒德allemande，德国舞曲，中速，四拍子。
萨尔塔列罗salterello，意大利舞曲，快速，常用6/8拍。
帕萨梅佐passamezzo，意大利舞曲，快速，二拍子。
3、即兴也是器乐音乐的主要来源。
即兴创作的主要器乐体裁是前奏曲、托卡塔、利切卡尔、幻想曲。
利切卡尔（ricercare,又称“主题模仿曲”）——最早是在硫特琴上即兴演奏的乐曲，后来演变成主题模仿曲，采用几个没有明显对比的主题在不同声部依次进行模仿的形式。
幻想曲（fantasia）——实际上是扩充了的利切卡尔，作曲家采用复调手法自由地、即兴地发展各个主题，也常使用模仿的手法。
4、变奏也是器乐音乐的一个重要技巧。
•文艺复兴时期音乐风格概述
•1、旋律：以级进为主，是歌唱性的，仍然与歌词的抑扬顿挫有关系。
•2、节奏：有了可计量的节奏，在宗教声乐作品中不强调律动感，只是在世俗音乐中拍点鲜明，律动感强。
•3、调式、和声：采用已经扩展为12个调式的中古调式（在中世纪8种调式的基础上增加了爱奥利亚、下爱奥利亚、伊奥尼亚、下伊奥尼亚）。在使用不协和音上较为谨慎。
•4、织体：以四声部复调织体为标准。在16世纪，五个或更多声部的复调也很常见，同时已出现了局部的主调和声思维。
•5、曲式：自由的、模仿式曲式逐渐取代了与诗歌结构紧密配合的曲式。
•6、主要体裁：复调的弥撒曲；经文歌（主要是宗教内容的）；器乐舞曲；复调器乐曲，如利切卡尔；世俗歌曲如牧歌等。
第四章、巴罗克时期的音乐（1600——1750年）
<概述>从大约1600年到1750年这一个半世纪，西方音乐史上被称为巴罗克时期。“巴罗克”（baroque）这个词是从建筑学、绘画史上借用来的专用术语，来源于葡萄牙语baroco，原意是指形状不规则的珍珠。
数字低音是巴洛克时期特有的作曲手段，沿用整个巴罗克时期，所以巴罗克时期也通常被认为是数字低音的时代。
数字低音basso continuo——又称通奏低音，这种音乐织体只强调高声部和低声部，中间的和声声部并不写出，只在低声部的下方标有相应的数字来提示所要演奏的和声，说标的数字表示低音与上方声部之间所应构成的音程，如数字6表示该低音上方奏出它的六度音和三度音。
第一节、歌剧及其它戏剧性的声乐体裁
歌剧的诞生
在16世纪末17世纪初，意大利的佛罗伦萨的“卡梅拉塔”（意大利语camerata,意为“沙龙”）社团的成员们主张向复调的声乐作品进行斗争，复兴古希腊戏剧那种单声部音乐的简朴风格，他们创作出接近古希腊悲剧的艺术形式，这样便产生了最早的一批歌剧。
历史上第一部歌剧：1597年由里努契尼写剧本、佩里作曲的《达芙尼》，取材于希腊神话，乐谱现已遗失。
现存的第一部歌剧：1600年里努契尼写剧本、佩里和卡契尼作曲的《优丽狄茜》。取材于希腊神话。
早期歌剧的音乐形式：声乐部分以接近于朗诵的宣叙调为主，由少量乐器伴奏，采用通奏低音。
意大利歌剧
（1）蒙特维尔第（Montverdi,1567-1643）
a、蒙特维尔第斯是第一个使歌剧戏剧化的作曲家，在他的创作中，一切音乐手法都服从于戏剧的需要。
b、他主张音乐要有强烈的感情色彩，要去挖掘人的内心世界。
c、他首次在作品中使用了弦乐的震音和拨弦奏法。
d、他大胆运用当时认为“尖锐”的和声手法（二度、七和弦）来增强情绪表现，这种音乐风格被称为“激情风格”（stile concitato）。
e、他是第一个用管弦乐队来为歌剧伴奏的作曲家，并基本确立了早期乐队的编制。
f、歌剧的结构在蒙特维尔第的作品中初步定型：独唱（宣叙调、咏叹调）、重唱（二重、三重）、合唱、管弦乐队以及舞蹈综合在一起。
d、代表歌剧作品：《奥菲欧》、《阿丽安娜》、《波佩阿的加冕》
（2）威尼斯歌剧
突出的歌剧作曲家：卡瓦利和切斯第
卡瓦利继承了蒙特维尔第的优秀创作传统；切斯第则发展了意大利歌剧的纯音乐性及装饰性因素，而忽视了歌剧的戏剧性因素，多选用历史题材，由阉人歌手担任英雄角色，歌剧的舞台装置往往豪华壮观，追求奇异、堂皇的表面装饰。
切斯第的代表歌剧《金苹果》。
（3）那波里歌剧
特点：尤其注重独唱者声音的美感和音乐外在的效果，使用了“返始咏叹调” （ABA的三段体）, 声乐独唱技巧达到了高峰。音乐织体主要是独唱旋律和简单的和声伴奏。缺点是缺少真实性和戏剧力度。这种倾向导致了歌剧在18世纪的衰败。
那波里歌剧的代表作曲家是A.斯卡拉第 （头像《插》P48）
A.斯卡拉第的创作特点：选用历史题材；重视发挥音乐在歌剧中的抒情作用，返始咏叹调已用的很普遍；所用的管弦乐队已逐渐完备；创立了“快-慢-快”的歌剧序曲，这种歌剧序曲也称“意大利序曲”，后来发展为古典交响曲。
意大利正歌剧——一种严肃的歌剧，题材崇高（多选自历史题材），分三幕；强调咏叹调，重要的角色由阉人歌手演唱；追求表现歌唱家优美的歌喉， 而不在于音乐与戏剧的统一。
法国歌剧
a、真正的法国歌剧是由吕利（Lully，1632-1687）奠定的基础。头像 《钱简》P69
特点：吕利创作出“抒情悲剧”的法国歌剧形式。多选用历史和神话题材；格式是一个序幕和五幕戏；歌剧中的芭蕾舞、舞台装饰极为华丽；不注重咏叹调炫技，而重视宣叙调，在其中突出了法语特有的韵律和节奏感；歌剧的序曲采用与意大利相反的速度安排：慢——快——慢，称为“法国序曲”。
b、拉莫（Rameau,1683-1764）： 头像《插》P65
歌剧特点：仍带有追求华美和装饰性的痕迹，舞蹈占重要地位，但趣味典雅，多田园气息；手法丰富细腻，大大丰富了歌剧的乐队。
拉莫是近代和声理论的奠基者，著有《和声学教程》一书，为现代和声理论奠定了基础。
英国歌剧
在英国，歌剧受到意大利和法国的双重影响。
英国歌剧最重要的作曲家是浦赛尔（Purcell,1659-1695头像《插》 P61），他的歌剧代表作是《迪多和伊尼》。
德国歌剧
巴罗克时期的德奥歌剧一直受到意大利歌剧的强烈影响。
德国第一部歌剧是《达夫尼》（1627年），由许茨创作。
德国作曲家在创作本国歌剧时有一个共同特点：使宣叙调适应德语的语调，保留意大利式的咏叹调。
二、其它戏剧性的声乐体裁
1、清唱剧（oratorio）——又叫神剧，诞生于意大利，17世纪中叶成为一种类似歌剧的大型声乐体裁，由宣叙调、咏叹调、二重唱、三重唱、合唱、乐队组成，其中合唱占重要地位；内容是宗教题材，一般在教堂或音乐厅演出；与歌剧的不同之处在于，清唱剧没有舞台装置和戏剧动作表演，歌词是拉丁文或意大利文。
巴罗克中期（1650年前后）创作清唱剧的最重要的作曲家是意大利作曲家卡里西米。
在巴罗克晚期，清唱剧这一体裁在亨德尔的创作中达到了一个新的高峰。
2、受难乐（passion）——音乐形式与清唱剧一样，在题材上集中于表现《圣经》福音书中有关基督耶稣受难（钉十字架）的故事。
3、康塔塔（Cantata）——康塔塔1600年前后诞生于意大利，由宣叙调、咏叹调、二重唱、合唱及管弦乐组成，没有舞台装置和戏剧动作表演，这些方面和清唱剧相似，只是康塔塔可以使用宗教题材，也可以适用世俗题材。
第二节、巴罗克时期的乐器和器乐
乐器
1、键盘乐器
沿用文艺复兴时期的羽管键琴和楔槌键琴。
管风琴在这一时期有了大的发展，有大键盘、独奏键盘、抑扬键盘、回声键盘等手键盘和足键盘，声音洪亮、结构复杂，规模庞大，多用于教堂。
•17世纪的羽管键琴两种《钱简》P51 图20
2、弦乐器
维奥尔族的弓弦乐器已发展为高音、次中音、低音三种，1700年以后被现代的提琴族乐器（小提、中提、大提、低音提琴）所取代。“低音维奥尔” 《钱》P52
硫特琴仍盛行于17世纪。《钱》P53 4-6
3、管乐器
横笛、短笛、竖笛、双簧管、柔音双簧管、大管、单簧管等。
4、打击乐器
巴罗克乐队中常用的乐器是定音鼓，始用于17世纪。
二、键盘乐
巴罗克时期的键盘乐包括管风琴音乐和古钢琴音乐。
1、管风琴音乐
管风琴曲的体裁主要分三种：托卡塔、赋格曲以及以众赞歌为基础的管风琴曲。下面分别说明。
（1）托卡塔（toccare）——是一种比较自由的接近即兴创作的体裁。常用的手法是模进和模仿对位，偶尔有短小的主调和声段落；一般包括若干个段落，常以慢速的段落开始，与随后的赋格式段落形成对比，所以托卡塔有时也叫“带赋格的前奏曲”。
（2）赋格曲（fugue）：是一种严格的复调音乐形式，是在一个主题之上以模仿对位手法写成的。赋格由呈示段和插段两部分组成，在呈示段中，“主题”总是先在主调上从一个声部进入，然后另一主题在属调上进行模仿，称为“答题”，这时主题声部继续进行，形成“对题”；在插段中，通常要转调，主题不再完整再现。
扫描 谱例 《音乐辞典》 P282
（3）以众赞歌为基础的音乐体裁有四种：众赞歌赋格曲、众赞歌变奏曲、众赞歌幻想曲、众赞歌前奏曲。
较重要的是众赞歌前奏曲。
2、古钢琴音乐
古钢琴音乐的体裁主要有主题与变奏、组曲两种。
（1）主题加变奏：是巴罗克时期器乐创作的最普遍的手法，与之相关的还有恰空（chaconne）和帕萨卡利亚（passacaglia），它们也都是变奏曲，三拍子，慢速，一般采用通奏低音。
（2）组曲：巴罗克时期的组曲是由不同国家的四种不同风格的舞曲组成的，分别是阿拉曼德（德国，中速，二拍子）、库朗特（法国，三拍子，快速）、萨拉班德（西班牙，三拍子，慢速）、吉格（英国，三拍子，极快）。
这一时期古钢琴音乐的代表作曲家是法国的库普兰、拉莫和意大利的D.斯卡拉第。
洛可可风格（rococo）：当时的绘画和建筑崇尚玲珑、纤巧，富有华丽的装饰，与此相对应的音乐也是精巧、典雅的，多用华丽的装饰音，主要指18世纪法国的古钢琴音乐和歌剧芭蕾舞中的音乐。这种风格的倡导者是库普兰。
a、库普兰
他创作了200多首古钢琴曲，每一首小曲都有标题，多以田园风光、景物、肖像为体裁，有鲜明的形象，题材多样。如《小飞虫》、《收割者》。
这些作品旋律明快、流畅，很少有音程大跳，有丰富而考究的装饰音，是一种简洁明晰、典雅优美、轻松明快的艺术风格，代表了法国宫廷的艺术趣味。
b、拉莫
对古钢琴音乐有自己的创新，不过于追求精雕细刻，风格比较朴素，曲调上受民间音乐的影响，如《铃鼓》、《风笛舞曲》、《母鸡》。
c、D.斯卡拉第（D.Scarlatti，1685-1757）
创作的键盘奏鸣曲都是单乐章的，结构多用带再现的二部曲式，在演奏技巧上也有发展，如双手交叉、分解和弦等，主要是一些轻松活泼的舞曲、托卡塔、赋格曲等。
洛可可风格在德国的代表人物是泰勒曼。
三、小型合奏乐（室内乐）
奏鸣曲（sonsta）：巴罗克时期的奏鸣曲分为独奏奏鸣曲和三重奏鸣曲两类。
独奏奏鸣曲又分教堂奏鸣曲和室内奏鸣曲两种。
教堂奏鸣曲：是在教堂演奏的，音乐较严肃，一般有慢、快、慢、快四个乐章。
室内奏鸣曲：多在家庭中演奏，具有世俗性，实际上是由不同风格的舞曲如阿拉曼德、库朗特、萨拉班德、吉格等组成的组曲。
三重奏鸣曲——17世纪奏鸣曲最常见的织体，它的乐器组合是两件高音乐器（通常是两把小提琴）和一个通奏低音，实际演奏时却是四个人：高声部的两把小提琴演奏两个对位声部，大提琴或大管演奏持续低音的旋律，再由一个键盘乐器填充和声。
意大利的小提琴家、作曲家——科雷利（Corelli,1653-1713）创作了大量的三重奏鸣曲，段落顺序是慢、快、慢、快。
四、大型合奏乐
协奏曲：巴罗克时期的协奏曲分独奏协奏曲、大协奏曲、乐队协奏曲。
独奏协奏曲：以一件独奏乐器与乐队相竞奏，突出独奏乐器与乐队之间的对比。如小提琴协奏曲、钢琴协奏曲等。
意大利作曲家托雷利奠定了小提琴协奏曲快-慢-快三个乐章的形式。
大协奏曲：是以一组独奏乐器（常由两把小提琴和通奏低音组成）与整个乐队相竞奏。
乐队协奏曲：又译作管弦乐协奏曲，它不象大协奏曲那样把乐队分成大组和小组，而是通常由乐队中两个或更多的乐器担任独奏部分，既起到独奏组的作用，又组成乐队的全奏，强调相互之间的对比、竞争，近似于大协奏曲体裁。
意大利作曲家维瓦尔第对巴罗克时期协奏曲的发展作出了重要贡献。《钱简. 头像》P69
维瓦尔第创作的协奏曲共500多首，他完善了独奏协奏曲的形式，一般为快、慢、快三个乐章。他摒弃复调手法，在风格上更接近主调音乐，音色华丽、节奏活跃，旋律性和色彩性都很强。
他创作了著名的大协奏曲《四季》，分春、夏、秋、冬四个乐章，每一首都是快-慢-快的速度。
第三节、亨德尔和巴赫
一、亨德尔（1685-1759）
1、生平
2、创作
（1）、歌剧
亨德尔是巴罗克后期最伟大的意大利歌剧作曲家。
亨德尔一生创作了40多部意大利歌剧，在题材和音乐上都延续了意大利正歌剧的体例。
他的歌剧代表作有英雄故事《凯撒》、《罗德林达》；奇幻故事《阿尔西那》、《吕纳尔多》。
（2）、清唱剧
以圣经为题材，直接引用其中的段落、词句；由宣叙调、咏叹调、独唱、合唱组成，合唱是戏剧的中心，歌词全用英文，用英文演唱的清唱剧是他首创的。具有一种宏伟壮丽的风格。
亨德尔最著名的清唱剧是《弥赛亚》，由三大部分组成，分别叙述耶稣的诞生、受难和复活；第二部分结束时的合唱《哈里路亚》，具有宏大、磅礴的气势。
另有清唱剧《色列人在埃及》、《扫罗》、《参孙》也是传世杰作。
（3）、器乐音乐
管弦乐方面比较突出的是他的歌剧及清唱剧的序曲、管弦乐组曲《水上音乐》、《焰火音乐》。
亨德尔的器乐作品结构宏伟清晰、风格简洁明快，更多地显示出主调音乐风格，蕴含着当时英国社会生活所特有的朝气和探求精神。
二、J.S.巴赫
1、生平
1头像 《传记》 第一页/ 2“巴赫在爱森那赫城的故居” / 3“阿恩斯塔特教堂”图片，现改名为“巴赫教堂”/ 4“巴赫演奏过的管风琴” / 5“巴赫的一家” / 6“莱比锡圣托马斯教堂” /7“为腓特烈大帝演奏”
2、创作
（1）器乐音乐
包括了巴罗克时期所有的器乐音乐体裁。
<管风琴音乐>：
巴赫在这方面的代表作有《d小调托卡塔与赋格》、《a小调前奏曲与赋格》、《g小调幻想曲与赋格》、一些众赞歌前奏曲等，其中严谨的对位逻辑、宏伟悲壮的感情以及乐观明快的抒情性，充分体现出巴赫发挥管风琴这件乐器的表现力的才能和技巧。
<古钢琴音乐> ：
a、《创意曲》包括二部和三部创意曲各15首，每一首都是以一个乐思为基础，用各种复调手法来加以发展。
b、《平均率钢琴曲集》两册共48首，各包括24首前奏曲与赋格，分别置于各个大调和小调，每一首均由在同一个调性上的前奏曲与赋格组合成一套。
这套乐曲是惊人的艺术宝库，是键盘艺术的经典，不仅在技巧上是无与伦比的，而且具有丰富而深刻的精神内涵，堪称是钢琴的“《旧约全书》”。
c、组曲
共3集组曲，分别是《法国组曲》、《英国组曲》和《帕蒂塔》，这3集组曲中每一集均包括6首组曲，每一首组曲都以巴罗克组曲中的4首舞曲为主。
《法国组曲》是因为按照法国的风格写成，而《英国组曲》是为英国的贵族而创作。
“帕蒂塔”在17世纪初时指“变奏”，从17世纪末起德国作曲家把它称为“组曲”。
d、《戈德堡变奏曲》，主题是一首优美的萨拉班德舞曲风格的曲调，随后是30个变奏，以3个变奏为一组，每组的最后一曲都是卡农。
<器乐合奏曲>
在小型合奏中，巴赫的主要作品包括：小提琴和羽管键琴的奏鸣曲、长笛和羽管键琴的奏鸣曲等，多数是三重奏鸣曲。
在大型合奏曲中，巴赫著名的创作是协奏曲。
典范之作：6首《勃兰登堡协奏曲》：
巴赫应勃兰登堡一位侯爵的要求而创作，大协奏曲的形式，由快、慢、快三个乐章组成，展现了华丽而高超的复调技法、活跃而宏伟的旋律、绚丽多彩而有富于独创性的对比。把大协奏曲这种体裁推向了最后的高峰。
巴赫复调艺术的两部伟大精品：《音乐的奉献》和《赋格的艺术》
《音乐的奉献》：包括两首利切卡尔；一首四个乐章的长笛、小提琴与通奏低音的三重奏鸣曲；10首卡农.。其中有几首键盘乐曲，也有几首未写明固定演奏形式。
《赋格的艺术》：由15首赋格组成，以一个简单的主题为基础，充分探索了赋格写作的各种可能性。用何乐器演奏未标明。
三、声乐创作
1、康塔塔
巴赫现存的康塔塔有200多首。
a、宗教康塔塔：
宗教康塔塔的格式基本相同，以一首复调性的合唱曲开始，中间是一系列的宣叙调和咏叹调，最后以四声部的众赞歌合唱结束。众赞歌在巴赫的许多宗教康塔塔中都占有重要的地位。
c、世俗康塔塔：
共23首，多为贵族而创作，象歌剧一样由宣叙调、咏叹调、合唱以及管弦乐队组成。有些作品直接采用民歌小曲做素材，带有农村生活的情趣和城市生活的风情。
代表作有：《农民康塔塔》、《咖啡康塔塔》、《狩猎康塔塔》等。
2、经文歌
经文歌发展到巴赫的时代，以采用圣经或众赞歌歌词的合唱曲为主。巴赫的6首经文歌多数采用了众赞歌的曲调。
3、受难乐
代表作：《马太受难乐》和《约翰受难乐》，使德国的受难乐体裁达到了一个辉煌的顶点。
两部作品均选自圣经里耶稣被出卖从而受难的故事，通过音乐艺术完美地再现了为拯救人类的苦难而自我牺牲的人文主义思想，具有强烈的史诗性和宏伟壮阔的气势。
其中《马太受难乐》使用了两个合唱队、一个男童合唱队、两个乐队、两架管风琴的庞大阵容，运用了独唱、合唱的宣叙调、咏叹调、重唱等手段，以强烈的戏剧性表现了这一悲壮的宗教题材。
4、弥撒曲
《b小调弥撒》包括15首合唱、3首二重唱、6首咏叹调，不仅有庄严的重唱和合唱，还有充满人情味的独唱咏叹调。这是一部规模宏大的声乐作品，作为一部不朽的艺术精品而闻名于世。
总结巴赫：
巴赫生性朴实谦逊、秉性内向，他的一生是默默无闻、勤奋耕耘的一生。
（1）巴赫的环境、社会地位及经历，使他在音乐创作中既表现了强烈的宗教感情，同时也写进了他对现实生活的真切感受、体验和思考，统统融汇于他丰富的音乐之中。
（2）巴赫融会贯通了几个世纪以来欧洲音乐和他同时代人的音乐创作的丰富经验，特别是对法国、意大利等不同民族的音乐传统兼收并蓄、博采众长，与德国的音乐传统相结合。
（3）在音乐风格方面，巴赫娴熟地驾驭各种复调手法，使发展了几个世纪的复调音乐在他的手中达到了最后的高峰，同时他又表现出创作主题旋律的才能，旋律个性鲜明而精炼，高度的复调思维和新颖生动的主调手法并用的成就，使巴赫在音乐历史上成为一个继往开来的人物，后人在他的作品中所得到的启迪是无法估量的。
总结巴罗克时期的音乐特点：
情绪：器乐作品是建立在一个单一的情绪之上，在乐曲开始处用一个音乐主题把这个情绪建立起来，然后由这个主题发展成整部作品。
节奏：一种富有动力的节奏，以有规律重复出现的重音为基础，坚持不息的节拍是主要特点。
力度：巴罗克音乐在进行时采用一个相当稳定的音量，一段始终响亮的乐段后面跟上一段始终低柔的乐段，前后两段形成明暗对比的效果。这种从一个响度到另一个响度的转换叫做“阶梯式力度”（terraced dynamics）。
旋律:乐句长度不一，气息较长，无论是声乐还是器乐，旋律都空前地华丽复杂，有较多的装饰音和模进音型。
调式：大小调体系，取代了过去的“教会调式”。
和声：已形成完整的以主、属、下属为中心的大小调和声体系。
织体：占主要地位的复调写作技术达到空前绝后的高峰，同时也有许多作品采用主调织体。
曲式：以相互间形成节奏、速度、风格对比的多乐章结构为主，如组曲、变奏曲、协奏曲、康塔塔、清唱剧等。
主要的音乐体裁：
声乐：弥撒、经文歌、众赞歌、歌剧、清唱剧、康塔塔、受难乐以及各种独唱、合唱曲。
器乐：托卡塔、前奏曲、幻想曲、赋格曲、变奏曲、组曲、奏鸣曲（独奏奏鸣曲、三重奏鸣曲）、协奏曲（独奏协奏曲、大协奏曲、乐队协奏曲）。
第五章、古典主义时期的音乐（约1750——1820年）
在这一时期的思想文化领域里，爆发了一次全欧性的思想运动——启蒙运动，提出了“自由、平等、博爱”的口号，以先进的思想教育民众，启迪民众，提出“天赋人权”，提倡个人平等、自由，反对封建君主专制、压迫；主张发展科学和知识，揭露和批判宗教迷信。
这一时期的欧洲在文学、艺术等方面都出现了“大众化”的倾向。同时，服务于王宫贵族的娱乐性的作品也大量存在。
古典主义时期的音乐风格，可以概括为：理性主义，注重形式的统一和结构的严整。
绘画：“拿破仑一世加冕大典”：法国，达维特 / 荷拉斯兄弟的宣誓 / 马拉之死
A、古典主义早期的音乐
第一节、格鲁克的歌剧改革和喜歌剧的兴起与繁荣
一、格鲁克的歌剧改革（头像《钱简》 P91）
格鲁克的歌剧改革针对的是意大利正歌剧，当时意大利正歌剧内容逐渐变得贫乏、空洞，形式也日益僵化。
改革的内容分以下几点：
1、格鲁克改革的主旨是：“质朴和真实是一切艺术作品的美的伟大原则。”
2、他提出：音乐从属于诗歌与戏剧，要达到促使剧情发展的作用，删去咏叹调中华丽的炫技段。
3、加强了宣叙调的旋律性，使其具有细致的情感表现力，占有重要地位。
4、重视歌剧中合唱的作用。
5、芭蕾舞也必须要与剧情发展有密切联系，不再为炫耀场景而随意添加。
6、他在记谱时废弃了数字低音，把乐队的每个声部都记写得很清楚。
7、歌剧的序曲成为能够暗示剧情的有机部分。
二、喜歌剧的兴起与繁荣
喜歌剧——取材于日常生活，唱词用各国的民族方言，采用了生动活泼的对白与通俗流行的曲调，形式雅俗共赏，风格幽默俏皮。
1、意大利喜歌剧（Opera buffa）
意大利喜歌剧是从“幕间剧”发展而来的。代表作品：佩尔格莱西的喜歌剧《管家女仆》
2、法国喜歌剧（Opera comique）
集市剧是法国喜歌剧的前身。
促使法国喜歌剧发展的，是18世纪50年代一批意大利喜歌剧演员来巴黎演出，从而引发的“喜歌剧之争”。
法国喜歌剧的音乐特点：不用宣叙调，有口语对白；主要是新创作的曲调；重视重唱和乐队的作用；强调感情表达和音乐描绘。
3、英国民谣剧（Ballade opera）
和法国喜歌剧相似，是用英语作对白再加上通俗流行的曲调，曲调可以是民歌、城市小调、流行舞曲，甚至可以是意大利或法国歌剧中的旋律。
代表作：《乞丐歌剧》
4、德奥的歌唱剧（Singspiel）
是一种有说白的喜歌剧。北德的歌唱剧多是模仿法国喜歌剧或英国民谣剧；南德的歌唱剧接近意大利喜歌剧的风格，音乐既有对意大利咏叹调的模仿，也吸收了德国民歌和流行的曲调。
第二节、器乐音乐
一、奏鸣曲（和奏鸣曲式）
“奏鸣曲” ——是一种体裁概念，16世纪时泛指各种器乐曲，到17世纪后半期专指多乐章形式的套曲，如教堂奏鸣曲、三重奏鸣曲等。到了18世纪下半叶，奏鸣曲定型为三或四个乐章，第一乐章用奏鸣曲式，第二乐章是抒情的慢板，第三乐章是小步舞曲或谐谑曲，第四乐章是奏鸣曲式、回旋曲式或奏鸣回旋曲式。
自古典乐派以来，5奏鸣曲强调乐章之间在调性、速度、情绪上的对比，强调不同主题间的对比和矛盾冲突的展开，逐渐成为能够表达较深刻、复杂的思想内涵的音乐形式。贝多芬的32 首奏鸣曲是这一体裁的典范。
奏鸣曲式——是奏鸣曲体裁内部采用的结构曲式，也多用于交响曲、协奏曲、室内乐等作品的第一乐章，有时也用于其他乐章。通常分三个部分：呈示部（含主调上的正主题和属调上的副主题，有时有更多的主题。）；展开部（音乐在此扩充、展开。）；再现部（呈示部重复出现，副主题回归到主调），有时会附加引子和尾声。
这一时期独奏奏鸣曲的代表作曲家是C.P.E巴赫、D.阿尔贝蒂。
（1）C.P.E巴赫（1714-1788）：也称“柏林巴赫”。头像 《插》P77
认为表达感情，引起听众的共鸣是演奏的目的，是一种反理性主义的“情感风格”，
C.P.E巴赫奏鸣曲通常是快-慢-快三个乐章的结构。他增加了奏鸣曲的戏剧性因素，奏鸣曲式主题之间的对比度加强，各乐章之间运用了远关系转调的并置手法。C.P.E巴赫开创了近代钢琴奏鸣曲的前河。
（2）D.阿尔贝蒂（1710-1740）：意大利作曲家，他的奏鸣曲中左手爱用分解和弦式的伴奏音型，这种音型被称为“阿尔贝蒂低音”。
二、协奏曲`
巴赫最小的儿子J.C巴赫（“伦敦巴赫”）突出地代表了前古典时期“协奏曲”创作的成就。
J.C巴赫的协奏曲明确确立为三个乐章，第一乐章已经预示了奏鸣曲式的主要原则，即主题在调性及材料之间的对比并置和变化统一；第二乐章常采用小步舞曲。
同时他的协奏曲具有华丽风格，旋律流畅，轻盈典雅，有些还融进了苏格兰民歌的流行曲调。
三、交响曲
作为交响曲的摇篮，是在德国，以曼海姆乐派、柏林乐派为代表。
（1）曼海姆乐派：
曼海姆乐派的乐队指挥约.斯塔米兹吸收了意大利作曲家萨马蒂尼把意大利序曲从歌剧中独立出来进行创作的经验，他创作的交响乐，是以独立的意大利序曲结构（快-慢-快三个乐章）为基础，又增加了快速的第四乐章，从而奠定了古典交响乐四个乐章的基本结构布局。
他把奏鸣曲式作为交响曲的第一乐章的结构形式，已接近成熟时期奏鸣曲式的原则，奏鸣曲式的主、副部主题之间的对比、展开部的发展性质、再现部的最后统一都已具雏形。
曼海姆乐派的音乐风格：
轻捷明快，主调音乐风格已完全确立；通奏低音已被替代为明确地谱写乐队各个声部；曼海姆乐队的编制已趋向完整，突出乐队力度渐强、渐弱的丰富变化，增强了乐队表达情感幅度的能力。
（2）柏林乐派
在北德，以柏林为中心，形成了柏林乐派，代表人物是C.P.E巴赫。
C.P.E巴赫的交响曲仍使用意大利序曲方式来组成快-慢-快三个乐章，他强调情感的戏剧性表达，力图用音乐表现更为深刻、强烈的感情，主题具备动机性质。
B、古典主义盛期的音乐
古典主义盛期在维也纳出现了海顿、莫扎特、贝多芬三位伟大的音乐家，他们先后以维也纳为生活、创作的中心地，相互之间有着内在的深刻继承关系，共同对欧洲音乐史产生了久远的影响，被后人称为“维也纳古典乐派”
第三节、海顿
一、生平
１、图片 “头像”《插》 P78/2、（“公爵”图片 《插》 P81）/3、“海顿在排练他的弦乐四重奏”
二、创作
海顿最重要的贡献是108部交响曲和68首弦乐四重奏。
1、交响曲
（1）海顿被尊称为“交响曲之父”，他不仅把交响曲套曲定型为四个乐章的结构，还明确了各个乐章的性质和曲式：
第一乐章常常是快板，奏鸣曲式，热情洋溢；第二乐章是慢板、行板或广板，常用奏鸣曲式或变奏曲式，抒情歌唱性；第三乐章是带三声中部的小步舞曲，幽默而活泼；第四乐章是快板或急板，常用回旋曲式、奏鸣曲式或奏鸣回旋曲式。
（2）海顿的奏鸣曲式中主副部的对比还不强烈，但他常在快板第一乐章前加上一个慢板的引子，以突出前后的对比。
（3）海顿的交响曲首、尾两个乐章，已常采用展开主题短小动机的发展手法，后来贝多芬发挥了这一手法。
（4）在乐队编制上，以弦乐四声部为基础，双管制（木管<长笛、双簧管、单簧管、大管>、铜管<圆号、小号>每种管乐器配备两件）的管弦乐队体制，在海顿手里定型。
代表作：第45交响曲“奇迹”、第92交响曲“牛津”、第94交响曲“惊愕”、第100交响曲“军队”、第101交响曲“时钟”、12首“伦敦”交响曲等。
2、弦乐四重奏
海顿被尊称为“弦乐四重奏之父”，他的68首弦乐四重奏也是他艺术成就最高的领域。
弦乐四重奏的结构确定为四个乐章。早期的协奏曲往往第一小提琴处于支配地位，成熟时期的协奏曲中四件乐器处于同等重要的地位，声部之间更为平等、协调、均衡。
3、宗教音乐
在宗教体裁中，有两部伟大的杰作：清唱剧《创世纪》和《四季》。
清唱剧《创世纪》：采用了英国诗人弥尔顿根据旧约圣经写的《失乐园》的词句，作品由三个部分组成，第一部分叙述神创造世界的头四天；第二部分叙述神创造世界的第五天和第六天；第三部分写园中的亚当和夏娃。
清唱剧《四季》：根据英国作家汤姆森的同名长诗而创作，分四个部分，描绘了春夏秋冬、四季景象，描写农民一年四季的劳动和欢乐。
此外，海顿还创作了一些歌剧和奏鸣曲。
第四节、“音乐神童”——莫扎特
一、生平
1、“幼年莫扎特一家音乐会”/2、“幼年莫扎特在宫廷演奏”/3、少年莫扎特/4、“青年莫扎特在维也纳音乐晚会上演奏”/青年莫扎特头像
二、创作
1、歌剧
莫扎特最重要的成就是歌剧。
莫扎特歌剧的创作特点：
（1）与格鲁克相反，莫扎特强调“诗歌要顺从音乐”。他的歌剧具有强烈的音乐感染力，旋律优美流畅，宣叙调也富有歌唱性。
（2）同时莫扎特又是个戏剧天才，他巧妙地把音乐的旋律和戏剧情节完美地结合起来，成为名副其实的歌唱戏剧艺术。
（3）重唱被莫扎特作为安排戏剧性冲突和高潮的重要手段。
（4）序曲简练、个性化，在性格上与全剧有了更多的联系。
代表作：《费加罗的婚礼》、《唐璜》、《魔笛》
2、交响曲
莫扎特交响曲的创作特点：
（1）继承了海顿的手法，但他去掉了交响曲的慢板引子，加强了奏鸣曲主副部主题之间的对比；
（2）和声、调性大胆构思，展开部的不稳定幅度得到加强。已大大区别于海顿的交响曲，在一定程度上预示着后来贝多芬交响曲创作的新倾向。
代表作：《第35交响曲“哈夫那”》、《第36交响曲“林茨”》、《第39交响曲“布拉格”》、《第40交响曲“维特”》、《第41交响曲“朱比特”》最有代表性，至今仍是音乐会上的重要曲目。
3、协奏曲
莫扎特一共创作了27首钢琴协奏曲、7首小提琴奏鸣曲以及一些管乐奏鸣曲等。
莫扎特是近代协奏曲形式的创始人，他确立了18世纪古典主义协奏曲的结构原则：
（1）沿用巴罗克时期协奏曲快-慢-快对比并置的三个乐章。
（2）将协奏曲第一乐章的“双呈示部”和“华彩乐段”的结构固定下来。
“双呈示部”——先由乐队演奏出第一呈示部，主部、副部两个主题均建立在主调上；之后由独奏乐器与乐队共同演奏第二呈示部，主部、副部两个主题分别在主调和属调上，有时出现新主题。
“华彩乐段”——在古典协奏曲第一乐章的尾声前，乐队停留在主四六和弦的延长音上，这时开始独奏乐器的炫技段落，以显示独奏者精湛、高超的演奏技巧为主要目的。
代表作：《d小调钢琴协奏曲》、《c小调钢琴协奏曲》、《A大调钢琴协奏曲》、《G大调小提琴协奏曲》、《D大调小提琴协奏曲》、《A大调小提琴协奏曲》、《A大调单簧管协奏曲》等。
4、奏鸣曲、室内乐、小型器乐合奏
（1）奏鸣曲
早期风格受海顿的影响，都是短小的三个乐章的形式，在结构和内容上偏重第一乐章。
70年代后期创作的几首奏鸣曲有着华丽而细腻的钢琴技巧和较强的戏剧性。
（2）室内乐
23首弦乐四重奏（两小提、中提、大提）中，最优秀的是献给海顿的6首（K387、421、428、458、464、465，1782-1785年），从不同侧面反映了莫扎特诚挚亲切、明快乐观的精神。
莫扎特在室内乐创作上的天才更多地表现在五重奏上，最为突出的是《g小调弦乐五重奏》、《C大调弦乐五重奏》，内声部活跃，外声部距离拉的很开，便于创造优美的旋律和对位声部，呈现出古典主义的均衡感。
此外，《A大调单簧管五重奏》（K581）也是室内乐中的杰作。
（3）小型器乐合奏
主要体裁是嬉游曲和小夜曲大多采用了民间音乐的风格，具有轻松活泼的特点。较优秀的作品如《G大调弦乐小夜曲》。
5、宗教音乐
代表作品是《安魂弥撒》。
第五节 “乐圣”——贝多芬
一、生平
1、“拜访莫扎特”/2、“作曲中的贝多芬” /3、在创作《庄严弥撒》/ 4、“贝多芬的葬礼”
“音乐是比一切智慧一切哲学更高的启示；谁能渗透我音乐的意义，谁就能超脱寻常人无以振拔的苦难！”
—贝多芬
二、创作
1、交响曲
贝多芬一生中共创作了9部交响曲。
最具代表性的典范之作：《第三交响曲》“英雄”、《第五交响曲》“命运”、《第六交响曲》“田园”、《第九交响曲》“合唱”
（1）《第三交响曲》——“英雄”是贝多芬的个人风格完全成熟的标志。
第一乐章：快板奏鸣曲式，刻画出英雄英勇博战的画面。
第二乐章：采用了悲壮而深沉的葬礼进行曲。
第三乐章：采用了充满活力的谐谑曲，代替了海顿宫廷典雅气质的小步舞曲
第四乐章：是全曲的高潮，采用了双主题变奏法（其中一个主题用固定低音），音响越来越丰富、情绪越来越热烈，全曲在热烈欢腾的气氛中结束。
（2）《第五交响曲》“命运”
这部交响曲展现出的是一幅与命运交战的场面，被人们称为“命运动机”的四个强音在四个乐章中变化出没、贯穿始终，给人一气呵成之感，成功地表达了“通过斗争走向胜利”的思想。
（3）《第六交响曲》——“田园”
图片“贝多芬在创作《田园交响曲》” 《传记》
这是一部标题交响曲。五个乐章的小标题依次如下：“初到乡村的感受”、“溪畔小景”、“村民们愉快的集会”、“暴风雨来临”、“暴风雨过后感恩的心情”。
贝多芬强调这部交响曲“写情多于写景，”他向我们展现的是他对大自然的全部内心感受与热爱，是他内心对大自然和生命万物的赞美，而不是仅仅力求模仿、描绘大自然。
（4）《第九交响曲》——“合唱”
这部作品是贝多芬创作的顶峰！
这部作品的篇幅极大地扩充，采用了连续五度或大幅度跳动的旋律进行，切分式或固执重复的节奏，和声调性的复杂及延迟解决等等，大大增强了其内在的紧张和冲突。
第一乐章是激烈而严峻的快板，倾诉了奋力拚搏的艰辛，是一个巨大而紧张的斗争场面。
第二乐章是谐谑曲，采用复三部曲式，振奋而充满活力，体现了乐观而奋发向上的精神。
第三乐章是如歌的行板，是对刚刚经历过的暴风雨的静观与沉思，充满了抒情性。
前三个乐章都是为第四乐章即全曲的中心所做的长长的铺垫。
第四乐章是一个宏伟的篇章，贝多芬大胆地将人声（一个合唱队和四个独唱者）引入到庞大的管弦乐音响中，这在交响曲历史上是一个创举。
他以德国诗人希勒的名诗《欢乐颂》为歌词，以独唱、合唱和乐队谱写出他一生所坚信的“艺术能够联合人类”的伟大颂歌。
总结贝多芬在奏鸣——交响套曲领域作出的贡献：
在西方音乐史上，贝多芬最重要的贡献就体现在对奏鸣——交响套曲这一结构形式的发展和创新上。
（a）奏鸣曲式各部分的独立性和对比性加强，展开部成为动力性发展最集中、强烈的中心，其中展开主题短小动机的手法得到很大发挥，使展开部充满了内在的矛盾、紧张的动力和戏剧性的冲突。
（b）交响曲的各个乐章之间既是一种对比并置的关系，在内容和音乐材料上又互相联系，使套曲保持了高度的严谨、统一。
（c）乐章的数目、所用曲式的次序都突破了古典乐派的典型章法。
（d）第三乐章以豪放泼辣的谐谑曲取代了宫廷典雅气质的小步舞曲。
（）首次在乐队中加入人声
（e）在音乐的具体表现手法方面，他的旋律继承了海顿的展开主题短小动机的手法，又吸收了莫扎特旋律的深情；节奏上频繁地变换，切分、休止所造成的动力性、不平衡感，和声、调性上的不协和、不稳定范围的扩大，力度上的大幅度起伏，在乐队配置上重视发挥铜管、木管的作用等，构成了贝多芬交响乐强烈的感染力量和宏篇巨制的气魄。
（5）贝多芬为戏剧所写的序曲，在他的交响作品中也占有一定的地位。
代表作：《爱格蒙特》序曲、 《科里奥兰》序曲。
2、钢琴作品
（1）钢琴协奏曲
贝多芬创作了5部钢琴协奏曲.
代表作：《bE大调第五钢琴协奏曲》“皇帝”，气势豪迈、庄严，富有英雄性格，后来人们常称它为“皇帝”协奏曲。
（2）钢琴奏鸣曲
贝多芬共创作了32首钢琴奏鸣曲，被誉为“钢琴音乐的《新约全书》”。
代表作：“悲怆”奏鸣曲（作品13）、“月光”奏鸣曲（作品27 之2）、 “暴风雨” 奏鸣曲（作品31 之2）、 “黎明” 奏鸣曲（作品53）、 “热情” 奏鸣曲（作品57）。
“奏鸣曲特点”见“1、交响曲”。
（3）弦乐四重奏
前6首弦乐四重奏明显地受到海顿、莫扎特的影响，如《c小调第四弦乐四重奏》、《A大调第五弦乐四重奏》等。
作于1806年的3首弦乐四重奏（也称《拉苏莫夫斯基弦乐四重奏》）体现了贝多芬的成熟风格，结构大大扩展，展开部冗长而复杂，再现部加以变化，乐思在尾声中进一步延伸，使尾声象第二展开部。乐思的力度和动力型的展开，与古典作曲家优雅、对称的风格已完全不同。
3、歌剧
贝多芬创作了唯一的一部歌剧——《费德里奥》。
4、宗教作品：《庄严弥撒》
5、歌曲：6首歌曲组成的声乐套曲《致远方的爱人》。
6、其它代表作：唯一的一首小提琴协奏曲《D大调小提琴协奏曲》，带有浓郁的抒情气质，是小提琴协奏曲中的典范之作。
７、评价贝多芬的音乐：
“集古典之大成，开浪漫之前河”。
贝多芬堪称是欧洲音乐史上最伟大的音乐家！他的创作集德奥优秀音乐传统之大成，从巴赫、亨德尔到格鲁克、海顿、莫扎特，音乐成就都在贝多芬这里汇集，并在此基础上融进了时代的音响和德奥民间音乐的养料，以他特有的强烈的艺术感染力和宏伟的气魄，把古典音乐推向最高峰，预示了十九世纪的浪漫主义音乐。
贝多芬的音乐，象征着力量、意志和气势，也充满了自由大胆、激情超越的精神。“音乐应该使人的精神迸出火花！”贝多芬的音乐至今令人震撼。
总结古典主义时期音乐的特点
1、情绪；崇尚理性，讲究感情约束、和谐均衡。
2、旋律：旋律线条清晰、井然有序，有些如民歌一样质朴、单纯，乐句常常是对称性的方正结构。
3、节奏：处理灵活多变。
4、调式：大小调体系充分发展。
5、织体：主调织体为主，复调织体为辅。
6、乐队：以弦乐四声部为基础，双管制管弦乐队体制。
浪漫主义时期的音乐（1750-1820年）
<总体风格>
１、崇尚感情代替了崇尚理性。
２、追求自由和崇尚个人主义成为这个时期的时代精神，注重抒发个人的感情和内心世界。
３、比以往任何一个时代都更注重民族性。
４、重视综合艺术的运用，标题音乐得到了长足的发展。
<音乐中的浪漫主义风格>
１、旋律方面，注重抒情性、歌唱性成为19世纪浪漫主义风格的重要特点。
２、和声、调性方面，功能性减弱，色彩性增强，出现了从功能和声向色彩和声过渡的倾向。
３、调性方面，趋向于调式、调性的复杂性，使用了远关系转调、半音和声等手法。
４、配器方面，努力探索各种乐器组合的可能性，力图取得绘声绘色的效果。
第六章、19世纪前期及中期的欧洲音乐
第一节、德奥的音乐
一、韦伯（1786——1826年）
（一）生平
（二）创作
1、歌剧
韦伯的歌剧代表作《自由射手》，标志着德国民族歌剧、浪漫主义歌剧的诞生。
韦伯的歌剧创作特点：
（1）最大贡献在于反映出了德国的民族气质，音乐中充满了浓郁的民间生活情调。
（2）歌剧的序曲与剧情联系非常紧密，预示出歌剧的冲突和结局。
（3）首创了贯穿运用“主导动机”的先例。
另两部歌剧代表作：《欧丽安特》、《奥伯龙》
2、器乐作品
钢琴代表作：两首钢琴协奏曲和钢琴曲《邀舞》
二、舒伯特（1797-1828年）
（一）生平
（二）创作
舒伯特创作的内涵：表现他对当时黑暗政治的不满和压抑感，对周围市民阶级庸俗习气的厌倦，以及他内心的孤独感、生活的遭遇等。
1、艺术歌曲
舒伯特创作了600多首艺术歌曲，被后人称为“艺术歌曲之王”。
舒伯特艺术歌曲创作特点：
（1）选词广泛，既有歌德、希勒等人的名诗，也有一些无名小诗。
（2）舒伯特是出众的旋律天才，这是他的艺术歌曲最突出的特点。
舒伯特根据诗歌的形式、内涵来创作旋律。
有的旋律象民歌般纯朴优美,如《野玫瑰》、《暮春》。
有的具有浪漫主义的甜美和忧郁，如《流浪者》、《你是安静》、《致音乐》。
有神圣虔诚的旋律，如《圣母颂》 。
也有的旋律温柔优美，如《小夜曲》。
（3）和声方面，爱用大小调交替，如《菩提树》、《小夜曲》，在自然体系和声的基础上巧妙地运用半音和声，如《海滨》、《三月赞》。
（4）钢琴伴奏起到表现诗歌的场景、丰富对歌词的想象、烘托歌曲的情绪气氛的作用，提高到与声乐同等重要的地位，与声乐一同表现诗歌内容、塑造形象。
声乐套曲（用一套艺术歌曲讲述一个连续的故事）代表作：《美丽的磨坊女郎》、《冬之旅》
2、钢琴作品
钢琴小品代表作：8首即兴曲、6首音乐瞬间。
大型钢琴体裁代表作：11首钢琴奏鸣曲（如《A大调奏鸣曲》、《bB大调奏鸣曲》）、一首《c小调幻想曲“流浪者”》。
3、室内乐
共36部室内乐。包括15首弦乐四重奏，其中最后三首（c小调、d小调“死神与少女”、G大调）较著名，另有经典之作《C大调弦乐五重奏》。
《A大调钢琴五重奏“鳟鱼”》突出了钢琴和弦乐的对比，在小行板乐章中采用了歌曲“鳟鱼”作变奏。
4、管弦乐
交响曲9首。
最重要、最具个性的交响曲是《b小调第八“未完成”交响曲》（两个乐章）。
三、门德尔松（1809-1847年）
（一）生平
（二）创作
总体风格：
（1）不表现强烈的戏剧冲突和复杂的思想，追求趣味性及和谐的美感，旋律优美而富有歌唱性，富有幻想情趣。
（2）融古典精神和浪漫因素于一炉。既力求严谨、典雅的古典风格，同时又擅长用音乐来抒发对大自然、文学、历史的内心体验，借用文学、美术等音乐之外的灵感。
1、钢琴曲
门德尔松首创了小型钢琴体裁《无词歌》，包括6卷48首小曲，有带标题的，如《春之歌》、《威尼斯船歌》、《纺织歌》、《猎歌》等，大多数没有标题。
无词歌特征：结构精炼、形象生动，手法清新朴实、优雅动人，巧妙地把歌唱性的旋律与钢琴的织体结合起来。
2、管弦乐曲
（1）交响曲
发表了5部交响曲，4部带有标题。其中著名的是《第三苏格兰交响曲》、《第四意大利交响曲》、第五《宗教改革交响曲》。
（2）标题性序曲
标题性“序曲”是专门为音乐会独立演奏而创作的管弦乐曲，也叫“音乐会序曲”或“管弦乐序曲”，采用单乐章的奏鸣曲式，是门德尔松最富创造性的体裁。
门德尔松创作了7首标题性序曲，其中代表作有《仲夏夜之梦》、《赫布里群岛》（又名“芬格尔山洞”）、《平静的海洋和幸福的航船》。
（3）协奏曲
门德尔松创作了3部钢琴协奏曲、2首小提琴协奏曲、1首小提琴钢琴协奏曲、1首两架钢琴的协奏曲。
典型代表作：《e小调小提琴协奏曲》，音乐充满热情活力而又抒情动人，第一乐章省略了乐队的呈示部，华彩乐段置于展开部的最后和再现部之前，起到连接作用。
3部钢琴协奏曲热情生动，有着门德尔松特有的优雅和流畅。第一乐章都取消了双呈示部，乐章之间连续演奏。
3、室内乐
典型作品如《3首弦乐四重奏》、《d小调钢琴三重奏》、《c小调钢琴三重奏》、《f小调弦乐四重奏》。
四、舒曼（1810-1856年）
（一）生平
（二）创作
1、钢琴作品
舒曼的钢琴作品和他的思想生活有密切联系，是他早年的梦幻天地，有很强的主观因素。
（1）创作有多首钢琴套曲，这些钢琴套曲把一首首精致、独立的钢琴小品按照一定的构思组合成套，并冠以各种富有诗意和文学性的标题，勾画出情景、人物和感情特征。
钢琴套曲代表作：《狂欢节》（21首）、《大卫同盟曲集》（16首）、《蝴蝶》（12首）、《克莱斯勒偶记》（8首）、《童年情景》（13首）等。
（2）大型钢琴曲包括3首奏鸣曲、幻想曲，近似于舒伯特的创作，结构较松散。
（3）在具体音乐手法方面，舒曼喜欢用复杂的节奏，包括切分节奏、复节奏、复节拍等手法来增强音乐的表现力；他很少运用不协和和声；舒曼是一位出色的旋律家，他的多数钢琴作品都以旋律为基础。
2、艺术歌曲
（1）比舒伯特更注重诗歌的文学水平，大多数声乐作品都选择名诗人的名诗歌为词的。
（2）用音乐的笔触来深入挖掘诗歌的内在感情和意境。简洁含蓄、意境深邃是典型特征。
（3）旋律长短不一，以短呼吸的旋律居多。
（4）重视钢琴伴奏的作用，不仅起伴奏和铺陈背景的作用，还利用前奏、后奏和进行中的音乐来“唱出”歌唱者意犹未尽的思绪。整体意境是由歌唱者和钢琴共同创造的。
代表作：《月夜》、《核桃树》、《两个禁卫兵》、声乐套曲《妇女的生活与爱情》（8首）、《诗人之恋》（16首）
3、室内乐与管弦乐
4部交响曲，代表作：《
bB大调第一交响曲“春天”》、《
bE大调第三交响曲“莱茵”》
协奏曲代表作：《a小调钢琴协奏曲》和《a小调大提琴协奏曲》
另外还创作有3首音乐会序曲、3首弦乐四重奏。
五、瓦格纳（1813-1883年）
（一）生平
（二）创作
瓦格纳的主要创作是歌剧和乐剧。他首创了“乐剧”（music drama），其题材、具体风格手法都与传统歌剧区别开来。
主要创作：
浪漫歌剧：《黎恩齐》、《漂泊的荷兰人》、《汤豪赛》、《罗恩格林》
乐剧：《尼伯龙根指环》、《纽伦堡的名歌手》、《特里斯坦与伊索尔德》、《帕西法尔》
瓦格纳的“乐剧”创作思想：
（1）瓦格纳认为音乐只是手段，戏剧才是目的，音乐要服从于戏剧。
（2）认为要选择历史、神话、传说作为题材，这些题材代表了永恒的真理。
（3）瓦格纳理想的新型歌剧即“乐剧”是一种集诗词、音乐、表演、舞台于一体的综合艺术形式。
（4）反对传统歌剧的分曲结构（分为宣叙调、咏叹调、重唱、合唱等段落），主张音乐的发展和戏剧的发展一样是连续不断的整体，取消了场景与场景、唱段与唱段之间的界限，而代之以“无终旋律”。
（5）为了使“乐剧”的内部达到有机的统一，进一步发展运用了“主导动机”手法。
（6）在和声、调性手法上，运用了富有魅力的半音体系和声及连续不断的转调，使古典传统的功能和声体系趋向瓦解。
（7）重视管弦乐队的重要作用，使其具有交响性，对戏剧的发展起巨大的推动作用。
六、勃拉姆斯（1833——1897年）
（一）生平
（二）创作
勃拉姆斯的创作扎根于古典传统的土壤之中，崇尚和继承古典风格的纯音乐，即“用古典主义的旧酒瓶，装浪漫主义的新酒”。他被誉为“三B”之一。
1、管弦乐作品
包括4部交响曲、4部协奏曲、2首小夜曲、《海顿主题变奏曲》管弦乐版、《学院节庆序曲》、《悲剧序曲》。
4部交响曲的创作个性体现在，注重首、尾乐章，以及突出优美、气息宽广的完整旋律。
《第一交响曲》（c小调）由于和贝多芬的交响曲风格很相似，也具有“从光明走向胜利”的逻辑构思，被后人称为“贝多芬第十交响曲”。
4部协奏曲：《d小调第一钢琴协奏曲》、《
bB大调第二钢琴协奏曲》、《D大调小提琴协奏曲》、《a小调小提琴与大提琴协奏曲》。
2、室内乐
代表作：3首弦乐四重奏、3首钢琴四重奏、《f小调钢琴五重奏》
3、钢琴作品
作品丰富，创作了奏鸣曲、变奏曲、叙事曲、随想曲、狂想曲等多种特色的钢琴作品。
钢琴作品风格：具有交响曲的气势，表达了坚实而稳定的感情；节奏变化自如；重视对位法的运用，常有两个同时存在的旋律线，如《间奏曲》op117；变奏曲和变奏的技巧是最突出之处。
代表作：作品76、79、116—119、《亨德尔主题变奏曲与赋格》、《帕格尼尼主题变奏曲》、《圆舞曲》（16首，作品39）、《匈牙利舞曲》（21首，4册）。
4、声乐作品
（1）选词不如舒曼讲究，内容大部分都是关于爱情、自然风光、生活场景的。
（2）突出优美流畅的旋律，如《铁匠》、《去看望爱人的路上》。
（3）钢琴伴奏的描绘性不强，但和声新颖、织体丰富，常运用长段的琶音和切分节奏，如《你知道我在归途中》、《我的爱情多青春》。
（4）结构上，爱用分节歌的形式，很少用通谱歌。
（5）许多歌曲具有民歌的风格，如《摇篮曲》、《妈妈、我有个愿望》、《徒劳的小夜曲》。
大型声乐曲代表作：《德意志安魂曲》
勃拉姆斯创作的总体风格特点：
（1）勃拉姆斯一方面崇尚和继承古典音乐，同时丰富和发展了古典音乐传统。
（2）旋律深刻、抒情，气息悠长；节奏新颖，常采用切分音和交叉节奏、附点音符；和声是功能和声；在曲式方面，他的奏鸣曲式大都效仿贝多芬、舒伯特的作品。
（3）在勃拉姆斯创作的各类体裁和手法中，变奏曲及变奏的手法是他的突出之。
（4）热爱民间音乐，他的音乐作品中有着朴素、清新的德奥民间音乐的因素。
七、“圆舞曲之王”——小约翰.斯特劳斯（1825-1899年）
<创作>
代表作：圆舞曲：《蓝色多瑙河》、《春之声》、《维也纳森林的故事》、《艺术家的生涯》等。轻歌剧：《蝙蝠》、《吉普赛男爵》
小约翰.斯特劳斯最受人欢迎的作品，就是他的圆舞曲。
维也纳圆舞曲由连德勒舞曲演变而来，华丽、活泼、优雅，常是小快板，三拍子的节奏很有弹性。
整首乐曲的段落结构是：主体是3-5首小圆舞曲，前面有序奏，最后有结束部，各段落连续演奏而不中断。
小约翰.斯特劳斯注重从奥地利民歌中吸取优美的旋律和生动的节奏，他的圆舞曲清新优美、亲切动人，很富有生活气息。
《蓝色多瑙河圆舞曲》是小约翰.斯特劳斯的圆舞曲中流传最广、影响最大的一首。
由序奏、5首小圆舞曲和尾声组成。
序奏：分两个段落：
（1）在小提琴轻声演奏出颤音，令人联想到微波荡漾的多瑙河。
圆号在此基础上徐缓地吹奏出具有生命力的主要音调。
（2）速度加快，情绪活跃起来，出现圆舞曲节奏，为圆舞曲的真正开始做好准备。从而引出5首小圆舞曲。
第一圆舞曲：包括两部分。
（1）用序奏一开始时的音调组成，抒情明朗，充满生命的气息，是对春天的多瑙河的赞美。
（2）欢快跳跃，轻松活泼，在较高的音区上唱出清脆悦耳的旋律。
第二圆舞曲：包括三部分。
（1）旋律热情、爽朗，抑扬交错，犹如多瑙河奔腾翻滚的波浪。
（2）在舒缓而轻快的节奏上，呈示出优美、委婉、娴雅的旋律。
（3）重复（1）
第三圆舞曲：包括两部分。
（1）用连续不断的三度音程进行，音乐显得格外典雅、优美，另有新趣。
（2）每个乐句的开头都用八分音符的连奏使音乐变得流动、舒畅，呈现出无拘无束、迅速旋转的舞蹈场面。
第四圆舞曲：包括两部分。
（1）以分解和弦的上行旋律开始，接着是音阶式的下行和上行，音乐妩媚动人。
（2）强调舞蹈节奏，气氛比较热烈。
第五圆舞曲：包括两部分。
（1）弱奏的第一段旋律柔情、起伏而悠扬动听，给人留下较深的印象。
（2）音乐欢快、热烈，欢腾、跳跃，将全曲推向最高潮。
结束部：规模较大，再现几个小圆舞曲的片断，最后在无比欢腾、热烈的气氛中结束。
《春之声圆舞曲》同样青春洋溢、充满活力。乐曲中有一个多次出现的主题A，带有明显的回旋曲的特点，结构是：序奏、ABACDEF、结尾。
《维也纳森林的故事》：这首圆舞曲是小约翰.斯特劳斯创作的圆舞曲中与奥地利民间音乐联系最密切的一首，在这首作品中，可以明显听到连德勒舞曲的音调。作品好像一幅以维也纳近郊的森林为背景的水彩画，其中的森林情景、舞蹈场面，描绘得有声有色。也包括序奏、5首小圆舞曲、结束部三部分。
第二节、法国的音乐
一、“标题音乐大师”——柏辽兹（1803-1869年）
（一）生平
（二）创作
1、交响曲
（1）柏辽兹倡导“标题交响曲”。
（2）他的交响曲选用了文学、诗歌、戏剧等题材，用音乐来表现诗歌和文学的思想内容。力图用准确、详尽的文字把所表现的内容告诉观众，要求观众按他所说明的内容去想象。
（3）发展了主导动机（他称之为“固定乐思”）的手法，即用特定的音乐主题来象征剧中人物。
（4）他扩大乐队的编制，配器是其音乐风格中最突出的地方之一。
代表作：
交响曲：《幻想交响曲》、《哈罗尔德在意大利》、戏剧交响曲《罗米欧与朱丽叶》、《送葬与凯旋》。
《幻想交响曲》（副标题“艺术家生活中的插曲”）：
乐曲不仅有大标题，每一个乐章还都冠以小标题和详细的文字解说。
采用“固定乐思”来代表女主人公的形象，在乐曲中多次变化重复出现。
谱例……
全曲分五个乐章：
1、“梦幻、热情”；2、舞会；3、田野景色；4、赴刑进行曲；5、妖魔夜宴的梦
交响曲《哈罗尔德在意大利》表现了柏辽兹在意大利获得的素材和印象。
用独奏的中提琴演奏的“固定乐思”来代表苦闷忧郁的哈罗尔德的形象。
全曲分四个乐章：1、哈罗尔德在山中，忧愁、幸福和狂喜的情景；2、藏着晚祷之歌的香客们在行进；3、阿布鲁齐山民对情人所唱的小夜曲；4、强盗们的狂宴，往事的回忆。
2、歌剧
代表作：《特洛伊人》
3、声乐作品
代表作品：大型戏剧合唱作品《浮士德的沉沦》；宗教合唱作品《安魂曲》和《感恩赞》
大型戏剧合唱作品《浮士德的沉沦》：包括独唱、合唱和乐队，分为四个部分，共20场。其中有著名的《拉科齐进行曲》。
19世纪法国歌剧的形式有以下四种。
１、法国大歌剧：题材严肃，多为历史悲剧，场面宏大，布景华丽，重视合唱的作用，常插入芭蕾舞，风格宏伟壮丽。
２、法国喜歌剧：用对白而不用宣叙调，规模较小，音乐较简单，要求的演员较少，不用历史题材，情节是戏剧性的或感伤的。
３、法国轻歌剧：又叫“小歌剧”，盛行于19世纪的法国，常常带有对白，采用通俗风格的音乐，风格轻快幽默，有时又比较抒情。
４、抒情歌剧：介于喜歌剧和大歌剧之间，多取材于文学名著，旋律朴实真挚、优美抒情，演员规模比大歌剧要小。
二、古诺（1818—1893年）
古诺是法国抒情歌剧最著名的代表人物。他一生创作了12部歌剧。
最优秀的歌剧作品：《浮士德》、《罗米欧与朱丽叶》
歌剧《浮士德》：属于抒情歌剧，它以生动的剧情、优美的曲调、富有诗意的描写爱情的抒情气氛著称。
三、比才（1838-1875年）
歌剧《卡门》是比才最重要、最成熟的作品，是法国最重要的歌剧之一，代表了法国喜歌剧的最高成就。
歌剧《卡门》分四幕，取材于法国批判现实主义作家梅里美的小说《嘉尔曼》。
歌剧《卡门》的创作特点（比才歌剧的创作特点）：
１、歌剧《卡门》最大的艺术价值，在于塑造了个性极为鲜明的人物形象，并把性格矛盾和冲突不断推向高潮。
２、比才创造性地运用西班牙民间风格的音调、节奏来渲染鲜明的地方色彩和民族风情，音乐精炼、紧凑，很有感染力。
３、比才继承了意大利法国歌剧的优秀传统，以流畅悦耳的歌唱方式为主导。
４、歌剧的结构依旧采用传统歌剧的分曲方式。
５、借鉴了瓦格纳的主导动机的手法，为歌剧安排了数个主导动机或起主导动机作用的主题，使音乐与戏剧紧密结合。
６、管弦乐队的配器简洁、浓烈而富有色彩。
７、作品具有强烈的戏剧真实性，有着鲜明的现实主义倾向，启发了后来意大利真实主义歌剧的兴起。
《阿莱城的姑娘》配乐共27段，比才从这些配乐中选出四段改编成一套管弦乐组曲，也就是后来广泛流传的《阿莱城的姑娘第一组曲》，简洁、明晰，色彩绚丽。
《阿莱城的姑娘第一组曲》包括：1、前奏曲；2、小步舞曲；3、小柔板；4、钟声。
《阿莱城的姑娘第二组曲》包括：1、田园曲；2、间奏曲；3、小步舞曲；4、法兰多拉舞曲。
第三节、意大利的音乐
浪漫主义时期的音乐在意大利集中体现在歌剧方面。
一、罗西尼（1792-1868年）
（一）生平
（二）创作
罗西尼创作的最优秀的喜歌剧：《赛维利亚的理发师》。
１、这部歌剧突出了抒情、谐谑、戏剧性极强的性质。音乐充满活力，优美欢快的旋律不断涌出，起到刻画人物性格和形象的作用。
２、运用了“罗西尼渐强”的手法，即多次反复同一乐句，每次加强力度，提高音高，造成一个极大的渐强。
３、乐队相对简单，织体清晰、透明，风格轻巧活泼，随时插入以烘托气氛。
正歌剧《威廉退尔》：
罗西尼根据德国诗人席勒的同名诗剧改编。表现了13-14世纪瑞士人民反对奥地利统治者的历史故事，歌颂瑞士人民反抗异族统治，争取独立自由的斗争精神。
这部歌剧具有当时盛行的法国大歌剧特征：场面很宏伟、壮观，戏剧性的情节中有许多优美的旋律。
歌剧《威廉退尔》序曲受到人们的普遍欢迎，成为音乐会上经常演出的曲目之一。
二、贝里尼（1801-1835年）
（歌剧创作）
１、贝里尼歌剧的创造力最鲜明地体现在他的旋律中。他的旋律减弱了罗西尼式的花腔，变得清丽柔婉、气息悠长、自然流畅，传达出人物细腻的感情。
２、重视音乐与诗词的关系，使歌剧中语言的重音和旋律的重音相一致。
３、管弦乐写法比较简单，仅起到为歌唱旋律伴奏的作用，甚至被认为苍白单薄。
４、最著名的歌剧：《梦游女》、《清教徒》、《诺尔玛》。
《梦游女》：
《清教徒》：
《诺尔玛》：
三、唐尼采蒂（1797-1848年）
（歌剧创作）
唐尼采蒂创作有70多部歌剧包括意大利正歌剧、半正歌剧、意大利喜歌剧、法国喜歌剧。
和贝里尼一样，遵循意大利歌剧的传统审美习惯，注重以美妙动听、丰富多彩的优美旋律来抒发感情。
歌剧代表作：正歌剧《拉美摩尔的露其娅》；喜歌剧《爱的甘醇》、《唐.帕斯夸尔》、《军中女郎》、《宠姬》。
《拉尔摩尔的露其娅》：
《爱的甘醇》：
《唐.帕斯夸尔》：
《军中女郎》：
《宠姬》：
四、威尔第（1813-1902年）
（一）生平
（二）创作
威尔第歌剧创作的风格特征：
１、反映了意大利人民争取民主、争取民族解放、自由独立的愿望，深受群众的欢迎。
２、在题材方面，除一些体现爱国和民族情感的题材外，还注重文学戏剧名著，用意大利人看重的美好旋律去重造文学中的人物和意境。
３、强调舞台表演必须服从事件和情感，每一首唱段都要与情节密不可分，注重对人物内心感情的刻画。
４、结构上仍保持分曲结构创作，但使各分曲、各场之间保持有机的联系，尽量克服不自然、刻板的段落衔接。
５、旋律富于戏剧力量而又真切动人，具有民间音乐的特点。
６、创造性地运用主导动手法。
７、重视管弦乐队的作用，大大提高了乐队的表现力，与声乐相辅相成，共同揭示戏剧冲突和人物情感。
1、早期创作
许多作品都与政治有关，反映了和专制主义进行斗争的精神，并采用戏剧和文学经典为题材。
早期歌剧代表作：《纳布科》、《伦巴第人》、《麦克白》
《纳布科》：
音乐还缺乏对人物性格和戏剧情节的生动刻画，管弦乐也只附属于人声，英雄人物缺乏鲜明的特点。
戏剧性场面很是动人，其中的一首极其动人的合唱，“飞吧，思想，乘着金色的翅膀”，表达了意大利人民要勇于摆脱压迫的心声，在全国广为传唱，几乎成为意大利的第二国歌。
《伦巴敌人》剧情取自十字军远征的故事。
《麦克白》：
2、中期创作：
中期的歌剧描写了许多平民百姓，反映了他对被压迫人民的同情和歌颂，以及对剥削者、专制主义的揭露和抗议。
从这时起，威尔第已走上了他创作的成熟期。
代表作：《弄臣》、《茶花女》、《游吟诗人》、《假面舞会》、《西西里晚祷》、《命运的力量》、《唐.卡洛斯》、《阿依达》
《茶花女》是一部描写日常生活的，重在刻画心理状态的歌剧。表现了身为高级妓女的维奥莱塔对真诚、美好的爱情的渴望，以及当时由于社会偏见损坏而致毁灭的凄情悲剧。
克服了豪华、富丽的法国大歌剧的影响，音乐清新，情节富有戏剧性。剧中既有宏伟、热情洋溢的音乐，也有生活风俗的场面，旋律特别丰富。
3、晚期创作
两部歌剧：正歌剧《奥赛罗》、喜歌剧《法尔斯塔夫》。
歌剧《奥赛罗》达到了威尔第歌剧创作的高峰。
第四节、波兰和匈牙利的音乐
一、“钢琴诗人”肖邦（Fryderyk Chopin，1810—1849年）
（一）生平
（二）创作
除了写了少部分的室内乐和歌曲之外，全部都为钢琴而作。
代表作：24首前奏曲、21首夜曲、58首玛祖卡舞曲、19首波洛涅兹舞曲、4首叙事曲、4首谐谑曲、3首奏鸣曲、4首即兴曲等。
<钢琴协奏曲>
2首，《e小调第一钢琴协奏曲》Op11、《f小调第二钢琴协奏曲》Op21
抒发了肖邦的个人感情和他对爱情的体验，有着当时流行的浪漫主义伤感的情调，融入了波兰民间音调和色彩。
<马祖卡舞曲>
58首。是肖邦的创作中和波兰民间音乐联系最密切的体裁。
大致分两种类型：
a、具有浓厚的乡土音乐情趣，织体、和声简单，清新、单纯、质朴。
如：Op17之1、Op41之4、Op24之2
b、有城市气息融入，略带浪漫主义感伤的情调，旋律、和声处理精致，使用丰富的调性变化。
如：Op17之4、Op56之3、Op63之3、
<波罗涅兹舞曲>
19首。是肖邦的创作中最强烈地体现民族意识和民族气质的体裁。
特点：节奏稳健，三拍子舞曲，织体浑厚、坚实，和声密集，具有威武、雄壮的气质，表现了爱国主义的思想内涵。
如：Op22《降E大调华丽的大型波罗涅兹》、Op40之1《A大调“军队”波罗涅兹》《降A大调“英雄”波罗涅兹》、Op44、Op53、
<前奏曲和练习曲>
A、前奏曲
24首，建立在平均率的各个大小调上。
a类：气势磅礴，反映了对祖国山河破碎的无比悲痛和激愤，如前奏曲第24、16首。
b类：清新、典雅、明快，如前奏曲降D大调“雨滴”前奏曲、Op28之23等。
B、练习曲
被赋予新的意义，成为独立的艺术品，既有明确的训练目的，又有高度完美的艺术形象，表达出不同的思想情感。
如：《c小调“革命”练习曲》、《E大调“离别”练习曲》、Op10之12，Op25之1、
<夜曲与圆舞曲>
18首,是肖邦最富有浪漫气质的体裁。
A、夜曲的特点：悠长、典雅，旋律抒情，有大量装饰音，和声语言富有色彩变化，织体精致，内涵表达丰富。《降E大调夜曲》
a类：宁静、优雅、明净，带有梦幻般的气氛。
如Op9之2、Op15之2、Op27之2
b类：内容深刻，具有戏剧性，有深沉的忧虑，也有激烈的刚毅性格。
如Op15之1、Op21之1、Op48之1
B、圆舞曲
有一部分的风格是异常华丽的，仍具有沙龙气息。
如Op18、Op34之1
另一些作品和作曲家丰富的情感世界息息相关，蒙上了一层哀愁和忧郁的色彩。
如Op34之2、Op64之2
<谐谑曲和叙事曲>
这两种体裁在肖邦的较大型的题材作品中居于主要地位。它们常采用相当复杂和自由的曲式结构，篇幅宏大，主题之间常有的强烈的对比和冲突，有着内在的张力。
A、谐谑曲
在肖邦的手中成为一种音乐形象对比鲜明、内涵深刻严肃、极富戏剧性的单乐章音乐体裁。
如他的《第一谐谑曲》Op20，肖邦在其中倾注了自己面对祖国沦亡的强烈的激愤之情。
B、叙事曲
作为一种器乐体裁，是肖邦的首创。
同浪漫主义诗歌有着一定联系，具有某种潜在的标题性。
如《g小调第一叙事曲》，表现了民族英雄深沉坚定的性格、不屈不挠的斗争以及悲剧性结局。
<幻想曲、即兴曲>
《f小调幻想曲》op49，形式新颖，思想情感内涵深刻而丰富。
即兴曲没有明显的体裁特征。4首。
<奏鸣曲>
共3首。
代表作：《
bb小调第二奏鸣曲》，有着强烈的斗争精神，四个乐章。
肖邦的音乐风格：
１、肖邦的音乐有着强烈的民族情感，表现出强烈的爱国主义思想和民族意识。也有一些作品反映出他个人生活的一些侧面。
２、旋律真挚、热情，气息宽广、抒情如歌，常为旋律加上装饰音。
３、和声特点突出，喜欢使用中古调式、尖锐的变音、大胆的的转调，自由地运用各种七和弦、平行进行，不协和音不准备地进入，有时甚至不加解决。
４、节奏带有民族特征，具有高度的伸缩性，喜欢用自由节奏rubato。
５、基本织体是旋律加伴奏及其变化。丰富了左手的形象。音乐中贯穿着复调的因素，有时许多声部交织。
二、“钢琴之王”李斯特（1811-1886年）
（一）生平
（二）创作
1、管弦乐作品
（1）首创了单乐章的标题交响乐体裁——交响诗。主张用音乐表现一定的意境、情感、哲理，用音乐概括体现诗的主要思想，不主张具体地描绘情节。
（2）交响诗广泛运用单主题展开、变形的手法，构成整部乐曲的统一基础。
（3）交响诗具有大型管弦乐队配置的丰富音响，突出乐器的色彩。
（4）交响诗代表作：《前奏曲》、《塔索》、《玛捷帕》
（5）交响曲代表作：《浮士德》、《但丁》
2、钢琴作品
（1）特点：表现手法丰富，具有炫耀技巧的性质；音响丰富多彩，几乎具有管弦乐队的宏伟气魄；表达一定的音乐内容。
（3）代表作：《b小调钢琴奏鸣曲》、《匈牙利狂想曲》（19首）、钢琴作品《超级演技练习曲》（12首）、《帕格尼尼练习曲》（6首）、3集《旅行年代》、《第一、第二钢琴协奏曲》
第七章、19世纪的民族乐派
民族乐派的风格特征：
１、作曲家们都怀有强烈的爱国主义精神和民族自豪感，使自己的创作渗透了民族的音调和节奏，体现鲜明的民族风格。（形式）
２、强调在作品中采用民族的题材，描写民族的风土人情，反映民族的历史事件、现实生活，体现民族的性格、愿望和精神。（内容）
第一节、俄罗斯音乐文化
一、“俄罗斯民族音乐之父”——格林卡（1804—1857年）
（创作）
代表作：歌剧《伊凡苏萨宁》（又名“为沙皇献身”）、歌剧《鲁斯兰与柳德米拉》、管弦乐幻想曲《卡玛林斯卡娅》
歌剧《伊凡苏萨宁》是俄罗斯音乐史上第一部具有划时代意义的民族歌剧。
歌剧《鲁斯兰与柳德米拉》序曲：
音乐开始的爽朗和弦、快速的音阶走句，渲染出婚礼场面的喜庆气氛。接着出现了弦乐和大管奏出的第一主题，英勇豪迈，勾画出鲁斯兰勇往直前的英姿。往后，低声部（大提琴、中提琴、大管）奏出了第二主题，旋律来自第二幕鲁斯兰的咏叹调，表现了主人公对爱情忠贞不渝的高尚情操。接着，音乐进入激烈的展开，表现柳德米拉和妖魔的三番五次的搏斗……这两部歌剧中的合唱都占重要的位置，这些合唱特别能显示出俄罗斯民族的气质和风格。
管弦乐幻想曲《卡玛林斯卡娅》以两首俄罗斯民歌作素材写成双主题变奏曲的形式，有着浓郁的民族风格，是一幅俄罗斯民间生活风俗画。
乐曲从中板速度开始，用婚礼歌的下行音调作为第一主题的引子，威严庄重、强劲有力、情绪饱满，体现出俄罗斯人民豪勇的性格。
第一主题的呈示，主题取材于俄罗斯民间的婚礼歌《从山上，从高高的山上》，音乐悠长、抒情，略带哀伤情绪。接着是婚礼歌的连续三次变奏。
进入中庸快板部分，不断重复的装饰音引出无忧无虑、轻快活泼的第二主题民间舞曲《卡玛林斯卡娅》。
接着是它的连续六次变奏。往下是用两个主题的素材自由发挥的展开部……
二、“强力集团”作曲家
强力集团的五位作曲家：巴拉基列夫、居伊、穆索尔斯基、包罗丁、里姆斯基.柯萨科夫
1、穆索尔斯基（1839—1881年）
穆索尔斯基的创作具有揭露社会黑暗、反映人民疾苦的现实主义倾向，在音乐风格上有浓郁的俄罗斯民族特征和独特个性。
代表作：歌剧《鲍里斯戈杜诺夫》、《霍万斯基之乱》、交响音画《荒山之夜》、钢琴套曲《图画展览会》
交响音画《荒山之夜》：在穆索尔斯基的原稿上有这样一段说明：“来自地下深处非人间的轰鸣。黑暗幽灵的出现、以及随后黑暗之神的登场。……在狂欢作乐最热闹时，远方传来乡村教堂的钟声，这声音驱散了黑暗幽灵。清晨。”
钢琴套曲《图画展览会》全曲通过一段代表作曲家参观画展的“漫步”的主题作为引子和乐章间的连接，将具体描写图画的10首分曲连成一个不间断演奏的整体。
“漫步”主题具有明显的俄罗斯民歌的特征。
第六首《两个犹太人，一个富一个穷》：原作是加尔特曼的两幅互不相干的人物写生画，一个是肥胖、傲慢的富人，一个是消瘦、贫穷潦倒的穷人。穆索尔斯基用音乐将两幅画结合在一起，构成了对比、同一的乐曲。乐曲开始时强烈的音响、突发的重音描绘出一个富有的人妄自尊大、威风凛凛的姿态；接着夹带装饰音的同音反复的下行旋律线勾勒出一个战战兢兢、胆战心惊、畏缩的穷人的形象。之后，作曲家还用对位手法将两条旋律合在一起。
第十首《基辅城门》，原画上画的是古代俄罗斯国家的象征——基辅的城门，这首分曲中有三个鲜明的形象：庄严宏伟、嘹亮宽广的主题；宁静的俄罗斯教堂中的多声部歌调；古代俄罗斯节庆必不可少的钟声。
2、包罗丁（1883—1887年）
代表作有：歌剧《伊格尔大公》、交响音画《在中亚细亚草原上》、《第二弦乐四重奏》、《第二“勇士”交响曲》
交响音画《在中亚细亚草原》：管弦乐色彩明亮、旋律优美动听，带东方风味的音乐。作曲家写下了这样的文字描述：“在中亚细亚单调的沙漠草原上，第一次传来了它所陌生的俄罗斯安详的歌调。马群和骆驼的蹄声越来越近，忧伤的东方曲调隐约可闻，土著的商队在俄国军队的护卫下穿过一望无际的沙漠。商队越走越远，最后消失在远方。”
全曲由两个主题构成，一个是明朗的俄罗斯主题，一个是东方风味的主题。开始时轮流陈述，后来重叠在一起。音乐以很抒情淡雅的笔调，形象地描绘出上述意境。
3、里姆斯基柯萨科夫（1844—1908年）
代表作：歌剧《五月之夜》、《雪姑娘》、《金鸡》、交响组曲《舍赫拉查达》、《西班牙随想曲》等。
交响组曲《舍赫拉查达》是作曲家在阅读了阿拉伯民间故事集《一千零一夜》后有感而作的。包括四个乐章。
为了把各乐章串联起来，作曲家采用了类似主导动机的两个主题来贯穿其中，即以小提琴的独奏代表舍赫拉查达德聪颖、秀美的形象；另一主题是威严残暴的苏丹王的形象。
三、柴科夫斯基（1840—1893年）
（创作）
柴科夫斯基曾说：“我要找的是：以我体验过或见过的情况的冲突为基础，亲切而强烈的戏剧。”
创作特征：
１、在内容上，真实地反映了那个时代的俄国人民、特别是俄国平民知识分子阶层的精神风貌。他的音乐多对人生意义的探索和由于黑暗的社会现实及个人不幸所带来的忧郁、彷徨，有强烈的主观色彩。
２、柴科夫斯基的音乐有两个最鲜明的特征：那就是深刻的抒情性和强烈的戏剧性。抒情性体现在旋律方面，音调亲切自然、深情浓郁，注重对人的心理的细致刻画，具有鲜明的俄罗斯民间音乐的特色；戏剧性表现在他的创作中令人震惊的戏剧力量。
代表作：《第六交响曲“悲怆”》、交响幻想序曲《罗米欧与朱丽叶》、交响幻想曲《弗朗切斯卡在里米尼》、序曲《1812》、歌剧《叶夫根尼 奥涅金》和《黑桃皇后》、三部舞剧《天鹅湖》、《胡桃夹子》、《睡美人》
《第六交响曲“悲怆”》：作品的内容可以概括为人生的美好理想与黑暗的社会现实无法调和的矛盾冲突，最后导致悲剧的结局。
第一乐章、用奏鸣曲式写成。
开始是阴森缓慢的引子，调性模糊，在低音弦乐的衬托下，大管奏出叹息的主题动机，它犹如饱经世间辛酸的主人公内心的独白，并暗示了交响曲的悲剧结局。
音乐进入主部主题，快板，b小调，引子的动机是核心素材，急促的、跳动不惜的音调，表现出主人公在黑暗现实的巨大压力下，内心的不安、惶恐和焦虑。
副部主题转明朗的D大调，旋律优美、抒情，真挚动人，象是对过去甜美的回忆，更象是对幸福的无限渴望。
当音乐完全安静下来后，突然一个晴天霹雳的和弦打破了梦境，音乐进入暴风雨般的展开部。主人公猛然从梦幻中惊醒，重新投入到人生的搏击中，音乐淋漓尽致地表现了主人公在生活的漩涡中殊死的拚搏……
庄严的序曲《1812》：以写实性的手法形象地描写了1812年俄罗斯人民反抗拿破仑战争的伟大业绩，以当时的抗法战争为题材创作的标题交响曲。音乐充满了民族自豪感和爱国主义精神。是一部真实而形象地再现俄国反拿破仑战争的艺术杰作。
为了增强演出效果，作曲家采用了庞大的乐队编制，还加了一个军乐队，增添模仿炮声和钟声的效果。
这部作品用奏鸣曲式写成。开始是一段缓慢的引子，
bE大调，中提琴和大提琴奏出圣咏的旋律，肃穆深沉，表现俄国人民军难临头时对神灵的祈祷。
木管和法国号吹出的鼓声和号角声，是引子的第二主题，象征俄国士兵整装待发的英姿。/进入呈示部，
be小调，主题坚决果断，像旋风一般急促，代表了俄军顽强抵抗的战斗形象。/ 在主题的发展过程中，不时夹杂法国国歌《马赛曲》的号角声，象征入侵法军的形象。 / 第一副部主题：明朗、抒情、优美，
#F大调，由音色柔美的弦乐奏出，具有俄罗斯民歌的风格，表现俄国将士们对俄罗斯大地的无限热爱之情。/ 接着在
be小调上，长笛和单簧管奏出活泼的第二主题，旋律来自俄罗斯民歌《在大门旁》，体现了俄罗斯人民乐观、幽默的性格，仿佛是士兵们在战斗间隙的跳舞、休息。/ 往下是奏鸣曲式的展开部，进一步描写战争的场面……
第二节、捷克的音乐文化
一、斯美塔那（1824--1884）
斯美塔那是捷克民族乐派的奠基者，他为捷克民族歌剧和交响诗的发展打下了基础。
他的创作在题材内容和音乐形式上都具有鲜明的民族特色。
代表作：喜歌剧《被出卖的新嫁娘》、交响诗套曲《我的祖国》（共6首，第2首“伏尔塔瓦”）
喜歌剧《被出卖的新嫁娘》：体现出捷克人民幽默、诚挚、乐观的另一面，音乐充满了生活气息和乐观主义精神，有着浓郁的民间乡土气息。
交响诗套曲《我的祖国》共6首，表达了对捷克壮丽的历史的缅怀和对祖国美好河山的赞颂。
交响诗《伏尔塔瓦》是其中的第二首，生动地描写了河流两岸的秀美风光、人民的风俗生活。
乐曲一开始，长笛和单簧管轻声奏出流动不息的音型，如潺潺流水一般。
接着，双簧管和第一小提琴柔和地吹奏出“伏尔塔瓦河”的主题，质朴、真切，宽广、深情……
二、德沃夏克（1841--1904）
代表作：《斯拉夫舞曲》（16首）、《第九交响曲“自新大陆”》、歌剧《水仙女》
《第九交响曲“自新世界”》：表达了作曲家作为一个捷克人在美国（身处美洲“新大陆”）的种种印象和感受。
作品吸取了一些美国民间音乐的素材，仍以鲜明的捷克民间音乐的特色著称。
第一乐章表现了紧张忙碌的美国现实生活在作曲家心中引起的反响、印象。
引子：深沉、缓慢，先是大提琴、接以长笛奏出一个沉思的乐句。船在海港里抛锚，作曲家站在甲板上，仿佛在体验着初到美国时感情：等待着他的将是什么呢？
接着，情绪变得令人振奋，仿佛表现了美国紧张忙碌的生活给他留下的印象。
进入奏鸣曲式的快板，主部主题由圆号奏出，号角音调，果断而坚强，木管对答。
副部主题：长笛和双簧管奏出，具有捷克民间舞蹈的特色，很像捷克民间乐器风笛的演奏。
结束部主题吸收了美国黑人音乐的因素，由长笛奏出，清新的田园气氛……
第二乐章是最动人的，对故乡的无限眷恋都倾注在这令多少人热泪沾巾的动人旋律里。
歌剧《水仙女》：德沃夏克最著名的一部歌剧。
在歌剧的第一幕中，水仙女在去找森林女魔帮助之前，她独自一人在湖边唱起一首忧伤、动人的咏叹调《月亮颂》，缠绵哀愁，又饱含了希望。
第三节、挪威、芬兰的音乐文化
一、格里格（1843--1907）
（创作）
作品大部分属于器乐小品，内容来自民间风俗生活、神话传说、自然风光，具有鲜明的民族特色。
代表作：话剧《培尔金特》配乐、《a小调钢琴协奏曲》、《c小调第三小提琴奏鸣曲》
《培尔金特第一组曲》包括：
1、《晨景》描绘日出和早晨的景色，长笛奏出早晨的主题，清新恬静，具有田园的气息。
2、《奥萨之死》（弦乐器演奏哀伤、庄严的丧葬进行曲）
3、《阿尼特拉舞曲》（阿拉伯姑娘引诱培尔金特的一段舞蹈配乐，东方气息的轻佻、活泼的舞曲）
4、《在山妖的洞穴中》（培被众妖魔押到洞穴中招受折磨时的配乐，低音弦乐器拨弦奏出阴暗、森严的主题）四首。
《培第二组曲》包括：《诱拐新娘》、《阿拉伯舞曲》、《培尔金特归来》、《苏尔维格之歌》
二、西贝柳斯（1865--1957）
（创作）西贝柳斯的创作体裁广泛，以器乐成就尤其是交响乐的创作最为突出。他的很多作品都贯穿着芬兰民族雄浑、粗犷、豪放的气质，渗透了北国大自然的氛围，充满了史诗的气魄。
代表作：交响诗《芬兰颂》、《d小调小提琴协奏曲》
交响诗《芬兰颂》：是芬兰民族解放斗争的象征。
乐曲分两部分：
第一部分：在定音鼓隆隆的背景下，铜管乐器吹奏出粗犷、沉重的和声，表现了被压迫下的人民顽强的反抗精神。/ 接着，木管乐器和弦乐器出现对答的旋律，如赞美诗一般，表达了作曲家对祖国真挚的情感。/ 随后，乐曲速度加快，铜管乐器奏出雄壮、威严的动机，象征着人民的力量不可阻挡。/ 第二部分：快板，弦乐和木管奏出铿锵有力的进行曲曲调，充满了必胜的信念……
第八章、19世纪与20世纪之交的音乐（晚期浪漫派）
晚期浪漫派不同于早、中期浪漫派的音乐特点。
内容方面：
后期浪漫派音乐所表现的一切，是浪漫主义强调主观感受、崇尚感情这一基本精神内涵更深层、更复杂，甚至可以说更扭曲、更深化的发掘。
音乐语言方面：
调性：后期浪漫派作曲家的作品虽然还有调性，但运用极为复杂，常呈现出飘浮不定的状态。
和声：传统的功能和声已发展到极限。
曲式结构：日益松散、庞大。作品的宏篇巨著，乐队编制的惊人庞大，也都为后期浪漫派作曲家所喜好。
第一节、法国的音乐（印象主义音乐）
是在印象主义绘画和象征主义诗歌这两门艺术的影响下产生的。
印象派画家尽量避开写实的体裁，他们关注的中心是大自然的光与色在户外光与色的变化中描绘景物的整体感和氛围。用精细的笔触渲染闪烁的气氛和色彩，表现倏忽朦胧的自我感觉和印象。
象征主义诗歌尽可能地避免清晰的故事情节或者强调一种明确的概念；注意语言的声韵，追求词藻声韵的美妙效果，通过诗文的韵律、节奏构成一种模糊的、瞬间的意境，强调气氛朦胧神秘。
象征派诗人魏尔伦的诗歌《被遗忘的山歌》中的第一首歌词：这是疲倦的狂喜，这是热情的困惫，这是被风拥抱的树林的战栗，这是灰色树林中间的小声的合唱。啊，微弱的清新的哀怨之声！它在婉转哀鸣，好像那不安的青草发出的温柔的悲鸣……。你一定会说：在那旋转的波浪下，有石头所发出的震耳的隆隆声。
印象主义音乐的总体风格：
用模糊的、细碎、松散的笔触来暗示和象征，表现是微妙、朦胧的气氛色彩与感觉印象。因此朦胧的色彩、模糊的轮廓是印象派音乐的标志，是一种精致、纤巧的风格。
德彪西是印象主义音乐的奠基人。
一、印象主义音乐的奠基人——德彪西（Claude Debussy，1862—1918）
（一）生平
（二）创作
德彪西音乐的风格特征：
1、总体风格特征同“印象主义音乐的总体风格”
2、音乐手法方面：
旋律：简短、片断、零碎，非对称性。
和声：和声功能被减弱到最低限度；用九、十一、十三等高叠置和弦，追求和声的色彩性；不协和和弦不作解决；使用非三度叠置和弦；大量使用变化音。
调性：调性模糊；使用五声音阶、中古调式、全音阶。
节奏：喜欢用复节拍、复节奏；避免有规律的重音，而变得自由流畅。
力度：很少用f与p的对比，喜欢用减强、减弱的细微变化。
曲式：结构松散自由，段落界限较模糊。通常在整体上保留了带再现的三段体的特征。
配器：强调管弦乐队中乐器的独奏效果；弦乐和铜管乐器常用弱音器；喜欢用乐器的非常用音区。
代表作：
钢琴：《前奏曲》24首、《意象》6首、《版画集》3首、《贝加摩组曲》4首、《练习曲集》24首、《儿童乐园》6首、《阿拉伯风格曲》2首
管弦乐：管弦乐前奏曲《牧神午后》、交响素描《大海》、交响三联画《夜曲》
歌剧：《佩利亚斯与梅丽桑德》
钢琴曲《月光》：是德彪西《贝加摩组曲》的第四首，是德彪西的钢琴作品中最流行的乐曲之一。
《版画集》：1、塔 2、格拉那达之夜 3、雨中花园
《意象集》第一集：1、水中倒影；２、向拉莫致敬；3、运动；
《意象集》第二集：1、叶丛中传来的钟声；2、落在寺院上的月光；3、金鱼
《前奏曲》第一集：1、德尔斐午女；2、帆；3、平原上的风；4、飘荡在晚风中的声音和香味；5、阿拉卡普里的山丘；6、雪地上的足迹；7、见过西风的人；8、亚麻色头发的少女；9、中断的小夜曲；10、沉没的教堂；11、帕克之舞；12、游吟歌手；
《前奏曲》第二集：1、路；2、落叶；3、维诺之门（在格拉纳达）；4、仙子是最好的舞女；5、石南树；6、怪人拉文将军；7、月照阳台；8、水仙子；9、匹克维克颂、10、骨壶（埃及用动物或人的头盖骨雕刻而成）；11、三度交替；12、烟火
《儿童乐园》：包括6首，为他的女儿而作，1、老顽固博士；2、大象催眠曲；3、洋娃娃小夜曲；4、白雪飘舞；5、小小牧羊人；6、黑娃娃步态舞
管弦乐前奏曲《牧神午后》：
德彪西根据象征派诗人马拉美的象征主义诗歌《牧神午后》而创作。
乐曲的结构类似一首“田园狂想曲”，结构可划分为三个段落，一开始，长笛吹奏出柔顺而飘忽不定的旋律，带着微微地倦意和恍惚。长笛的音调代表着牧神。音乐衬托出神话世界的幻境和朦朦胧胧的感觉。
乐曲的中段，先由双簧管奏出象征睡梦的旋律。随后进入乐队全奏，引出全曲的高潮。
最后长笛的旋律再现，在大提琴声部伴随的最后一次陈述后，音乐越来越轻，暗示这个神秘的境界逐渐消失。
交响三联画《夜曲》：包括《云》、《节日》、《海妖》三幅交响音画。
交响素描《大海》：
1、《海上——从黎明到中午》：通过由弱到强的音响、由淡到浓的配器，表现了由天空渐渐发白的早晨到阳光灿烂的中午，大海景色色彩的变幻。
2、《海的游戏》：像一首活跃的谐谑曲，有着轻快的节奏、绚丽的和声、丰富的音色，生动地描绘了大海波涛翻滚、浪花飞溅的情景。
3、《风与海的对话》：是全曲的高潮，展现了大自然的威严和力量，暴风雨降临，大海开始咆哮，风和大海进行惊心动魄的对话。
二、杰出的管弦乐色彩大师——拉威尔（Maurice Ravel，1875——1937）
（一）生平
（二）创作
<总体风格>
1、拉威尔的创作在色彩性和声与配器技法上与德彪西有相似之处，明显地继承了印象主义音乐风格。
2、拉威尔注重继承法国古典音乐的传统，借鉴俄罗斯、匈牙利等外来音乐的成果，还重视民间音乐，尤其是从西班牙的民间音乐中吸取养料，因此，他的音乐实际上已超出了印象派的范围。
3、作品结构明确、织体清晰；节奏鲜明规整，常具有舞蹈性；配器精致严谨而富有光彩，被誉为“二十世纪的管弦乐色彩大师”。
拉威尔主要代表作：
芭蕾舞剧：《达夫尼与克洛埃》
管弦乐：《包莱罗舞曲》、《西班牙狂想曲》、《鹅妈妈组曲》
钢琴作品：《水的嬉戏》、钢琴组曲《镜》、《G大调钢琴协奏曲》、《D大调左手钢琴协奏曲》
《达夫尼与克洛埃》第二组曲：包括《黎明》、《哑剧》、《群舞》三个场景的音乐。
管弦乐曲《包莱罗》舞曲：
作品由贯穿始终的固定节奏和两个交替演奏的具有西班牙民间舞蹈风格的固定旋律组成。
乐曲发展：
在中提琴、大提琴拨弦的衬托下，小军鼓奏出轻快的舞曲节奏型，贯穿全曲始终。
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长笛奏出旋律一，情绪舒展、明朗、乐观。
单簧管重复旋律一。
大管吹出委婉、缠绵的旋律二，给人的感觉有点爱情的愁郁，具有西班牙的民间风格。
单簧管重复旋律二。
抒情单簧管奏旋律一。
小号和长笛重复旋律一。
中音萨克管奏旋律二。
小高音萨克管（句末换高音萨克管）重复旋律二。
法国号、钢片琴、短笛、第二长笛奏旋律一。
两个单簧管、双簧管、抒情双簧管、英国管重复旋律一。
长号奏旋律二。
短笛、长笛、双簧管、英国管、单簧管、中音萨克管重复旋律二。
…………
管弦乐曲《西班牙狂想曲》：自由地运用了西班牙的节奏、旋律装饰，体现出拉威尔对丰富多彩的配器色彩做出的探索。1、夜的前奏曲；2、马拉加舞曲；3、哈巴涅拉舞曲；4、集市
管弦乐曲《鹅妈妈组曲》：原为钢琴二重奏，后来改编为芭蕾舞剧音乐。1、森林中睡美人的帕凡舞曲；2、小拇指普歇；3、丑姑娘，瓷娃娃女皇；4、美女与野兽的对话；5、仙境般的花园。
钢琴作品《水的嬉戏》：是一部由“水声及音乐声激起灵感”的乐曲，有鲜明的印象主义意境，运用了全音阶、四度五度的平行进行。
钢琴组曲《镜》：显露出他所受的印象主义美学思想的影响。包括《夜间飞蛾》、《忧郁鸟》、《海上孤舟》、《丑角晨歌》、《钟之谷》5首。
《G大调钢琴协奏曲》：充满明朗的阳光和真挚、乐观的精神，具有民间音乐的特色，结构上也倾向于古典的笔法。
《D大调左手钢琴协奏曲》：神秘而朦胧，象是作曲家带有悲剧性的独白，似乎展示了人间的苦难深渊。
第二节、德奥的音乐
一、奥地利作曲家、指挥家马勒（Gustav Mahler 1860—1911）
艺术家创作的中心母体，往往来自艺术家生活中最直接和最强烈的个人体验。
（一）生平
（二）创作
作品：9部交响曲（第10交响曲没完成），一部声乐交响套曲《大地之歌》，以及40多首用管弦乐队伴奏的歌曲。
马勒把他所有的体验和感受都一一写入他的音乐之中，他用音乐汇成一幅人生百态图。
他的作品常常从哲学、宗教角度对人生问题进行探索。
马勒的非凡之处，在于他的音乐中深刻的人文意义。
1、交响曲
是典型的后期浪漫派的风格，在感情容量和表现幅度上都远超前人。
共9部。
代表作：《第八交响曲》（“千人交响曲”）、声乐交响套曲《大地之歌》
《第一交响曲》“巨人”分四个乐章，马勒给每个乐章冠以小标题：1、《青春时代的回忆》；2、一帆风顺；3、葬礼进行曲；4、从地狱到天堂。
《第二交响曲》“复活”分五个乐章，从第四乐章起加入了人声，表现了马勒由英雄的葬礼以及对英雄一生的回顾而引发的对人生问题的哲理性思考。
《第三交响曲》分六个乐章，合唱的规模更大，马勒通过对大自然的描绘和理解来充分肯定人生的意义。
《第四交响曲》笔调较为轻松、明朗，表达了作曲家对生活的热爱。
第五——七交响曲马勒没再加入合唱和标题，是纯器乐的交响曲。
《第五交响曲》体现了极其复杂的人生旅途体验；
《第六交响曲》则是彻头彻尾的“悲剧”交响曲；
《第七交响曲》情绪复杂多变，配器风格乖戾，用纯音乐揭示人类心理情感深层世界中瞬息万变的神秘魔幻。
《第八交响曲》是马勒的交响曲创作中、也是整个西方交响曲历史上规模空前巨大的交响巨作。构思宏伟，乐队规模巨大，号称“千人交响曲”。马勒的创作思想非常明确，要达到一种由宇宙发出般的音响，歌颂伟大的快乐和荣耀。
“这不再是人间之声，而是行星和太阳运转的天体之音。”
声乐交响套曲《大地之歌》：马勒以中国唐诗（李白、王维、孟浩然等人）为歌词，表现了深邃的哲学构思、对生活和理想的期望、与大自然的融合、以及最后告别俗世的热情与烦恼等，是一部充满世纪末的悲愁情调但又极具深邃隽永气质的交响杰作。
全曲分六个乐章
笫一乐章：咏世人悲愁的饮酒歌/第二乐章：寒秋孤影/第三乐章：咏少年第四乐章：咏美女/第五乐章：春日的醉翁/第六乐章：告别（全曲的核心段落）
2、艺术歌曲
艺术歌曲《流浪少年之歌》，讲述自己的痛苦与欢乐和对大自然的感受，有一定的自传性和叙事性。乐曲重视了民歌风格。
艺术歌曲《孩子们的神奇号角》，歌词取自民谣诗歌集，突出了军乐因素和梦幻性格。
另两套歌曲集以吕刻特的诗歌为歌词，即《亡儿之歌》和《吕刻特诗5首》。
马勒的创作特征：（《于》P329）
1、交响曲的结构在数量及快慢乐章的顺序上有很大变动，有时乐章之间的规模不成比例。
2、追求庞大的乐队编制，极力扩展交响乐的表现力，充分发挥每一件乐器的表现性能，从而配器效果色彩绚丽。
3、总谱声部异常复杂，贯穿了对位复调和支声复调。
4、旋律保持了歌曲的特性，采用自然音调式，朴素单纯、平易近人。
5、和声语言在后期的作品中相当复杂，有大量不协和和弦。
6、运用了大量的民间音乐的因素，在他的作品中常常可以听到波西米亚民间音乐的音调和奥地利民间舞蹈的节奏。
二、德国作曲家、指挥家理查·施特劳斯（R·Strauss1864—1949）
（一）生平
（二）创作
1、管弦乐作品
交响诗代表作：《唐·璜》、《死与净化》、《梯尔的恶作剧》、《查拉图斯特拉如是说》、《唐·吉诃德》、《英雄生涯》。
两部交响曲：《家庭交响曲》、《阿尔卑斯山交响曲》
《查拉图斯特拉如是说》（1896）：是理查·施特劳斯最为著名的交响诗，这部作品根据德国哲学家尼采（1844—1900）的同名哲学著作而写成。
理查·施特劳斯自己对这首交响诗却有如下说明——“我并不是有意要写哲学化的音乐，也不是想用音乐来描写尼采的伟大著作，我只是想以音乐为手段，来表达人类的发展这一思想，从其起源以及发展过程中的不同阶段，宗教的和科学的，乃至尼采的超人观念等全部传达出来。尼采的著作《查拉图斯特拉如是说》是说明尼采伟大天才的最好例证。我的这首交响诗就是为歌颂尼采的天才而写的”。他在总谱的标题下，写了一句“自由的追从尼采”，他将尼采的超人观念予以音乐化了。在这部作品首演的节目单上，理查·施特劳斯自己撰写的说明是：“日出，人类感觉到上帝的威力。但人类仍然在渴望，他陷入激情，心神不宁。他转向科学，试图用一首赋格来解答人生的问题，然而徒劳无益。接着响起了悦耳的舞曲曲调，他变成了个别的人，他的灵魂直上云霄，而世界在他之下深深下沉。”
理查·施特劳斯在他的总谱上用了不少文字来确切他要表达的内容。全曲加上引子共有九段组成：引子——日出，１、来世之人，２、渴望，３、快乐与激情，４、挽歌，５、科学，６、康复，７、舞曲，８、梦游者之歌。
《家庭交响曲》（1903）：以家庭成员丈夫、妻子、孩子为题材，同《英雄生涯》一样，表现出对自我价值的肯定等。
理查·施特劳斯是一个天资过人的音乐家，他的写作技巧非常高超，非常精通德奥音乐的传统，熟练掌握交响曲、歌剧这些较高级的艺术形式的写作技巧。
2、歌剧
三部歌剧代表作：《莎乐美》、《埃勒克特拉》、《玫瑰骑士》
歌剧《玫瑰骑士》标志着理查·施特劳斯事业的顶峰！
理查·施特劳斯的创作特点：
（1）音乐的描绘性很强，情节描写生动逼真。听众可以跟随着总谱上的标题、文字、细致的表情符号去联想，体会人物的性格和情趣。
（2）具体手法上：
a、旋律自然流畅，音域宽广，突破对称的结构，富于活力和激情。
b、和声大胆使用不协和音，显出多调性趋势，有时可以在三个调上同时进行。
c、发展了李斯特的主题变形手法，并用精心的对位技术把不同的主题交织在一起。
d、配器新颖精巧、音响丰满，逼真地模仿自然音响，提高了乐器的表现力。
第三节、俄罗斯的音乐
一、拉赫玛尼诺夫（Rakhmaninov，俄罗斯作曲家、钢琴家和指挥家，1873-1943年）
（一）生平
（二）创作
拉赫玛尼诺夫的创作特征：
1、拉赫玛尼诺夫的创作具有俄罗斯音乐的传统，始终保持着十九世纪浪漫主义的艺术特征。他是柴科夫斯基的继承人。
2、作品充满了对俄罗斯大自然的描绘和对以往民族光辉业绩的缅怀，渗透了对故乡的深情。
3、作品真实地反映了世纪之交人们动荡不安的思想情绪，音乐有着强烈的时代感。
4、音乐手法上：
旋律：以抒情见长，气息宽广、悠长优美、饱含深情，具有鲜明的俄罗斯气质。
和声：未超出大小调半音体系，华丽而富有表现力。
节奏：异常灵活。
代表作：《第二、第三钢琴协奏曲》、《第二、第三交响曲》、钢琴与乐队《帕格尼尼主题狂想曲》、《钢琴前奏曲集24首》、钢琴《音画练习曲集》18首、歌剧《吝啬骑士》、交响诗《死亡岛》
钢琴与乐队《帕格尼尼主题狂想曲》是以帕格尼尼(1782—1840)的第24首随想曲的主题为基础写成，包含主题和二十四段变奏。
二、斯克里亚宾（Alexander Nikolayevitch Skryabin，俄罗斯作曲家，1872——1915）
（一）生平
（二）创作
早期创作：主要是钢琴作品，显示出对浪漫主义音乐传统的继承，风格接近于肖邦。作品有24首前奏曲、10首马祖卡、12首练习曲、1-3钢琴奏鸣曲等。
中晚期创作特点：
1、音乐充满了热烈反抗和激动不安的情绪，力图表达神秘、抽象的哲学思想，探求将宗教、哲学、音乐融为一体的艺术。
2、在表现手法上：
旋律：简短，由一系列的主题动机连接组成。
和声：独创了由增四度、减四度、纯四度叠置的“神秘和弦”。
调性：已面临解体。
节奏：复杂无规律，以造成紧张的气氛和恍惚的感觉。
代表作：5首钢琴奏鸣曲（6-10）、《第三交响曲“神圣之诗”》、《第四交响曲“狂喜之诗”》、《第五交响曲“普罗米修斯”》（“火之诗”）
《第四交响曲——狂喜之诗》明显表现出所具有的抽象、模糊、臆造、古怪等风格特征，体现他对超脱一切的“最高境界”的追求。
第四节、意大利的音乐
真实主义歌剧特点：主张取材于现实生活，特别是写社会底层的小人物，热衷于描写妒忌、争纷、情杀，力求用简洁、明快的手法组织起强烈的戏剧场面。
代表人物：马斯卡尼、列昂卡瓦洛
普契尼（1858--1924）
他的歌剧并不完全属于真实主义歌剧的范畴，但歌剧中的主人公也大多是下层小人物，尤其突出对受欺凌、受迫害的女性人物的塑造；咏叹调旋律朴实、优美动人，没有华丽的炫技，而是完全符合角色的性格；重视真实地再现生活环境。但在艺术性、思想性上要高于真实主义歌剧。
代表作：《艺术家的生涯》（绣花女、波西米亚人）、《托斯卡》、《蝴蝶夫人》、《图兰多》